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Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi

“Tal día como hoy hace 203 años, nace en Roncole (Italia), el italiano que será compositor de importantes y grandiosas óperas, Giuseppe Verdi.”

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Giuseppe Verdi

*Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Roncole, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor de ópera italiano.
Verdi compuso ópera durante toda su vida y perfeccionó su arte con la influencia de Rossini, Bellini y Donizetti con el uso de las formas de la grand opéra francesa, para desembocar en la creación de sus obras maestras shakespearianas, Otello y Falstaff, en las que se apuntan algunas de las innovaciones de Wagner en la forma de la ópera. A lo largo de su vida, su originalidad y fecundidad no tuvieron rival.
Verdi

Nació en el pueblo de Roncole, cerca de Parma, entonces bajo la dominación napoleónica, el mismo año que nacería Richard Wagner. Carlo y Luigia Verdi, padres del futuro gran músico, eran más bien pobres: regentaban una pequeña posada que tenía anexa una tienda de comestibles; para aprovisionarse, acudían a un rico mayorista de Busseto, Antonio Barezzi, que era también el alma de la cultura musical ciudadana por su cargo de presidente de la Sociedad Filarmónica local.

Carlo Verdi envió a su hijo que estudiara en la casa parroquial, donde recibió las enseñanzas del reverendo Pietro Baistrocchi, que, naturalmente, junto a las primeras letras, le hizo aprender los fundamentos de la música en el órgano de la iglesia. Verdi asimilaba con tal rapidez las enseñanzas del padre Baistrocchi, que llegó al extremo de sustituirlo, cada vez más a menudo, en el puesto de organista, dedicación que en la iglesia alternaba con la de monaguillo. En 1822, comenzó sus estudios musicales con Ferdinando Provesi, [2] que ejercía los cargos de organista y maestro de capilla en la catedral, además del de maestro municipal de música en la Sociedad Filarmónica, la institución presidida por Barezzi y que constituía, con relación al coro de la iglesia, la vertiente laico de la vida musical de Busseto. El gran Provesi ya nada tenía que enseñarle y Barezzi, firmemente convencido del futuro de aquel joven encaminado a convertirse en su yerno, obtuvo para él una beca del Monte de Piedad local, que le permitía seguir estudios en Milán.
Primeros días en Milán
Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

El único pasatiempo que tenía Verdi era asistir a los espectáculos de La Scala ya los ensayos y conciertos de la Sociedad Filarmónica. Durante uno de estos ensayos -se estaba preparando el difícil oratorio La creación, de Haydn- faltaron los tres directores titulares y Verdi tuvo que sustituirlos. Las sonrisas de suficiencia con que los nobles músicos iniciaron el ensayo se mudaron muy pronto en estima y, finalmente, en profunda admiración, hasta el extremo que le rogaron que dirige personalmente el concierto, en el que obtuvo un éxito halagüeño. Massini le propuso la composición de una ópera y le suministró también el libreto, ya impreso y titulado Rochester, del que era autor un tal Antonio Piazza.

Margherita Barezzi

Con la muerte de Ferdinando Provesi, Verdi vuelve a Busseto, donde permaneció durante tres años, de 1836 a 1839. Apenas obtenido el cargo, se casó con Margherita y formó un hogar, en la que al cabo de un año nació Virginia, seguida al poco por un segundo hijo, Icilio. Tras dimitir a Busseto, volvió en febrero de 1839, apoyado una vez más por la generosidad financiera del suegro.

Los jovencísimos esposos, que el año anterior, estando aún en Busseto, habían perdido ya la pequeña Virginia, se les moría, también el 22 de octubre, su segundo hijo, Icilio.

Por otra parte, el 17 de noviembre de 1839 Verdi estrena su ópera Oberto, Conte di San Bonifacio, con el libreto y el título modificados en La Scala, con un éxito «no grandioso, pero bueno”, según escribió el mismo compositor. Bartolomeo Merelli, que regentaba el teatro en aquellos momentos, le encargó a Verdi inmediatamente una segunda ópera, cómica esta vez, por exigencias de equilibrio de géneros en la programación. Como no había tiempo para procurarse un libreto original, se recurrió entonces, algo habitual en aquellos tiempos, en un librito escrito hacía más de veinte años por Felice Romani, autor de los textos de casi todas las óperas de Bellini. La obra fue Un Giorno di Regno (Un día de reinado), con un texto muy mediocre, no tanto por la calidad intrínseca de los versos, como por la soporífera reiteración de la trama.

Placa conmemorativa del 150 aniversario
de la muerte de Margherita en Milán

Margherita, que tras la muerte de Icilio, tan próxima a la de la primogénita, no se había recuperado, enfermó de encefalitis y murió a los pocos días, el 18 de junio. Verdi se sintió aniquilado: volvió a Busseto y durante todo el verano estuvo inmerso en el dolor. A finales de esta estación, sin embargo, acosado por las exhortaciones de Merelli, volvió a Milán y reanudó su actividad, buscando en el trabajo un camino de evasión.

En estas condiciones era muy difícil componer la opera buffa que se estrenó el 5 de septiembre de 1840. El tema era trillado, la música era más bien mediocre y la interpretación fue pésima.
Verdi se refugia en Busseto. Pero quien parte de una pequeña comarca para volver derrotado, no puede esperar encontrar el reposo y la serenidad de un cariñoso consuelo. Imposible quedarse. Verdi marchó a Génova para retocar la partitura de su Oberto, que iba a representarse en el transcurso del otoño. En retocarla, la empeoró considerablemente, aceptando entre otras cosas secundar el gusto más reaccionario del público. Pero la ópera sólo obtuvo un moderado éxito. Como no podía seguir soportando la atmósfera opresiva y burlona de Busseto, retornó a Milán, que representaba para él el único lugar donde podía refugiarse en el anonimato más absoluto.


na noche de invierno, se encontró casualmente con Merelli, que se dirigía al teatro. Caían grandes copos de nieve y él, cogiéndolo del brazo, lo invitó a acompañarlo en el camerino de La Scala. Mientras iban caminando, le explicó que estaba preocupado por la nueva ópera que tenía que ofrecer y que había encargado a Nicolai, pero este no estaba contento con el libreto. Se trataba de Nabucco, con versos de Temistocle Solera. Verdi ante las lamentaciones financieras de Merelli, cerró la cuestión pagando de su propio bolsillo los nuevos contratados. Lo que, en cambio, no pudo evitar fue el uso de viejos decorados y vestidos, provenientes de las óperas más dispares y que se readaptar y restaurar para aquella ocasión. Durante los ensayos, el teatro caminaba revolucionado por una música nueva. El carácter de la partitura era tan insólito y desconocido, el estilo tan rápido y nuevo, que el estupor era general; cantantes, coro y orquesta, al escuchar esa música, mostraban un entusiasmo extraordinario. Y aún hay más: era imposible trabajar en el teatro, fuera del escenario, ya que los operarios, pintores, iluminadores y tramoyistas, electrizados por lo que escuchaban, dejaban sus tareas para asistir boquiabiertas a todo lo que se ponía en escena.


Imagen de una representación moderna de Nabucco

Nabucco se estrenó en La Scala el 9 de marzo de 1842, con la soprano Giuseppina Strepponi, en el papel de Abigaille. Strepponi se convirtió en el amante de Verdi, y pasado mucho tiempo desde la muerte de su primera esposa, en 1859, se casó con ella. La velada tuvo un crescendo de entusiasmo, llegando a extremos delirantes al término del «Va, pensiero», cuando todo el teatro se levantó de golpe y, pasados ​​unos interminables minutos de aplausos, se concedió el bis.

Fue uno de los más fervientes casos de total identificación entre público y ópera que se recuerdan en la historia de la ópera. En el mundo de la lírica, dominado hasta entonces por las melodías astrales, lánguidas y dulcísimas de Bellini y Donizetti, irrumpía una música potente, a veces brutal e incluso rudo, pero hecha siempre de carne y sangre, con la vitalidad y la fuerza de un río en plenitud. Una música que sintonizaba completamente con el estado de ánimo de un público cada vez más intolerante con la dominación austríaca. Sólo se pudieron dar ocho funciones de Nabucco durante el mes de marzo debido a exigencias de programación, pero cuando esta ópera volvió a estar en cartel en verano, se representó durante 57 noches, cifra fabulosa incluso en aquellos años.

Ahora, la alta sociedad de Milán competía para tenerlo en sus salones. En 1842, nacieron las relaciones de Verdi con la condesa Appiani, con la noble dama Morosini y, sobre todo, con la condesa Clara Maffei o Clarina, en el salón de la cual se agrupaban los mejores cerebros de la Lombardía, atraídos por el espíritu, gracia y patriotismo de Clarina, así como por la amabilidad y cultura de su marido, Andrea Maffei, que estaba completando la primera traducción al italiano de Shakespeare y de Schiller.

Cuando Clarina, pocos años después, se separó de su marido, iniciando su convivencia con el poeta y patriota Carlo Tenca, Verdi continuó manteniendo la amistad de ambos, pero fue Clarina la que ocupó siempre un lugar destacado en el restringido número de sus afectos. Este sentimiento de amistad de Verdi se vería más que correspondido por ferviente carácter de esta indómita criatura de aspecto benigno y dulce, que poco a poco transformaría su salón en una auténtica fragua irredentista, lugar de encuentro de los espíritus más animosos y batalladores de la ciudad, que allí prepararon la gran insurrección de 1848. Verdi era una de las figuras centrales de ese grupo, si bien políticamente no estaba comprometido de una manera directa. Pero su música se había convertido ya en sinónimo de libertad, de lucha y de rebelión contra la dominación extranjera.

Un dels seus llibretistes: el poeta Francesco Maria Piave

La seva fama creixia, però precisament per això li era més necessari que mai ser present en tots els teatres importants, escrivint ininterrompudament per consolidar la seva talla artística. Va estrenar un gran nombre d’òperes en la dècada posterior a 1843, un període que el mateix Verdi va anomenar els anys de galeres. El 9 de març de 1844, any que va seguir el triomf d’I Lombardi es va posar en escena al teatre La Fenice de Venècia la seva òpera Ernani, que va assenyalar l’encontre entre Verdi i l’exseminarista i poeta Francesco Maria Piave, destinat a convertir-se en l’autor de fins a deu llibrets de Verdi, amb qui va establir una relació d’íntima i fidel amistat.
Así, al año siguiente de Nabucco, el 11 de febrero de 1843, Verdi puso en escena I Lombardi alla prima crociata (Los lombardos en la primera cruzada), que mantenía el espíritu de la ópera precedente, suscitando auténticos delirios por su tema, que sacaba descubiertamente a escena el pueblo lombardo. Temistocle Solera había compuesto el libro inspirándose en un poema de Tommaso Grossi, otro habitual del salón de los Maffei. También en esta obra el éxito cuajó en el entorno de un corazón, O Signor che del Tetto natio (Oh, señor que del solar nativo), que los lombardos cruzados entonan en el tercer acto. Junto con el Va, pensiero, pronto este corazón quedó elegido como símbolo patriótico y se cantaba por las calles como reto intimidante hacia las tropas austriacas.

Verdi en SantAgata , 1898 de izquierda a derecha Stolz , Strepponi , Campanari , Verdi , Guilio Ricordi , Giuditta Ricordi , Metlicevik .

Después de su éxito vendrían los “años de galera” como él mismo los definiría, trabajando por encargos y a ritmo de una ópera al año, de esas óperas, muy de tradición italiana, yo destacaría Macbeth, supone un primer paso enorme hacia el drama musical que Verdi deseaba, es curioso cómo se quejaba de la intérprete protagonista por no tener una voz áspera y malvada, Donizetti, Rossini y me atrevería a decir todos los compositores hasta bien entrado el siglo XX, no habrían siquiera pensado en esa caracterización total de un personaje de ópera.Desde 1847 pasa largas temporadas en Paris, conociendo bien los trabajos de Meyerbeer, Hàlevy o Gounod.
El gran paso siguiente fue, sin duda, la llamada trilogía popular Rigoletto, Trovatore y Traviata, en especial la primera.En 1848 compra Villa Sant’Agata cerca de su tierra natal, donde desde 1851 vivirá casi ininterrumpidamente preocupándose de ampliar y gestionar sus terrenos y cultivos como el campesino que llevaba dentro.
Las siguientes óperas ya se alejan cada vez más del encorsetamiento del melodrama italiano, Il Ballo, La Forza, Don Carlos o Aida, son obras maestras de su propio lenguaje teatral.Verdi

Verdi pasó en París los siete meses siguientes del 1847, que constituyen uno de los momentos cruciales de su vida. Se encontró con la soprano Giuseppina Strepponi; la relación entre ambos, los comienzos de la que se remontaban a los lejanos tiempos del Oberto y que se había profundizado durante las primeras ocho representaciones del Nabucco, se transformó en un lazo afectivo destinado a perdurar toda la vida.

Giuseppina Strepponi, segona esposa de Verdi

Giuseppina había roto las relaciones con el tenor Napoleone Moriani en 1842, y salió con el espíritu destruido y la ve seriamente dañada. A pesar de ello, empujada por las preocupaciones económicas familiares, además de las ocasionadas por el futuro de su hijo Camillino -el otro había muerto casi en nacer-, continuó cantando y había contribuido al éxito de Nabucco.

Después de la revolución fustrado y no teniendo que preocuparse ya de la censura, escribió de un tirón una ópera que es un auténtico himno patriótico y libertario: La batalla de Legnano, es decir, la batalla en la que los ejércitos de la liga Lombarda derrotaron a los del emperador Federico Barbarroja, liberando el norte de Italia de su dominación. Obviamente, tal música correspondió, dado el clima independentista que vivía Italia, un triunfo apoteósico. Con ésta, se cierra el ciclo de las óperas juveniles de Verdi.

Al final de los años de galeras, Luisa Miller (Nápoles, Teatro San Carlo, 8 de diciembre de 1849) y Stiffelio (Teatro Grande de Trieste, 16 de noviembre de 1850) marcó un momento fundamental en la evolución estilística de Verdi. Su pensamiento musical se hizo más refinado y su dramaturgia gira hacia un noble lirismo que exalta la profundización psicológico de los personajes. Verdi había alcanzado la plena madurez artística, que confirmó con los tres títulos de la considerada trilogía popular, un tríptico de obras de argumentos diversos y muy queridas por el público: Rigoletto, Il trovatore y La Traviata, tres óperas destinadas a obtener un éxito abrumador.


La seva casa a Sant’Agata

Mientras tanto, Verdi había adquirido la villa de Sant’Agata, en el municipio de Villanova sull’Arda, en la provincia de Piacenza y no demasiado lejos de Busseto. Aquí se estableció en la primavera de 1851 junto a su compañera sentimental Giuseppina Strepponi. A Sant’Agata, Verdi se dedicó con pasión a la agricultura, y cultivó sus intereses en el arte, la poesía, la economía y la política. Fue elegido consejero comunal de Villanova y consejero provincial.

Hacía ya 10 años largos que Verdi era el compositor más notable italiano y su fama crecía ininterrumpidamente por toda Europa. En 1862 se trasladó a San Petersburgo, donde se estrenó triunfalmente La forza del destino. En 1865, estaba de nuevo en París para la revisión de Macbeth y volvió dos años después, para el estreno de la que es quizás su gran ópera, Don Carlos. Sin embargo, el reconocimiento de la grandeza de esta obra, así como la de Simon Boccanegra, se debe a la crítica más reciente.

Arrigo Boito i Verdi

La vida de Giuseppe Verdi puede dividirse en dos periodos: el juvenil, relleno de tribulaciones y luchas, y el de madurez, pletórico de serenidad e inspiración. Pasó sus últimos años entre Sant’Agata y Milán. El 16 de diciembre de 1899 instituyó la Opera Pia, Casa di Riposo por y Musicisti: quería asegurar el mantenimiento de aquellos «que han dedicado la vida al arte musical» y que se encontraran en condiciones precarias. Según su voluntad, el primer huésped del asilo fue aceptado después de la muerte del compositor.

Su testamento, hecho el 14 de mayo de 1900, Verdi designó como heredera universal una prima de Busseto, Maria Verdi. Sin embargo, dejó muchos legados a diversas entidades sociales, entre las que se encontraba obviamente la Casa di Riposo para Musicisti, en el oratorio de la que fue enterrado junto a su esposa Giuseppina, el 27 de febrero de 1901 . el corazón va, pensiero fue interpretado a su funeral oficial durante el traslado del cementerio en la Casa di Riposo por Musicisti, dirigido por Arturo Toscanini y un coro de 820 cantantes. Dentro de la Casa, se cantó el Miserere de Il trovatore

Fotografia de VerdiPero le queda una obra más por hacer en 1899 se crea la fundación para la Casa Verdi

“Delle mie opere, quella che mi piace di più è la Casa che ho fatto costruire a Milano per accogliervi i vecchi artisti di canto non favoriti dalla fortuna, o che non possedettero da giovani la virtù del risparmio. Poveri e cari compagni della mia vita!”De mis trabajos, el que más me gusta es la Casa que he hecho construir en Milán para acoger a los viejos artistas de canto no favorecidos por la fortuna, o que no tenían de jóvenes la virtud del ahorro. ¡Pobres y queridos compañeros de mi vida!

Durante la Navidad de 1901, la salud de Verdi empeora, está en Milán donde suele pasar los últimos inviernos, por via Manzoni los caballos y las carrozas marchan lentos, hay paja en la calle para amortiguar el ruido de cascos y ruedas… nadie quiere molestar el reposo del maestro… Giuseppe Verdi muere la madrugada del 27 de Enero de 1901 en su habitación de siempre en el primer piso del Grand Hotel et de Milan.*Firma de Verdi


*Datos históricos compartidos de:
https://ca.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Verdi

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Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años»

Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual Austria, que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo de Salzburgo y un compositor con poca relevancia, aunque fue un experimentado profesor. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa de la época, de los siete hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus.

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Casa natal de Mozart, en la calle Getreidegasse n.º 9, Salzburgo.

La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música de todo el mundo.

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Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor y en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.

Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los seis, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.

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La familia Mozart durante su viaje: Leopold interpretando el violín; Wolfgang Amadeus al clavecín y Nannerl, cantando. Acuarela de Louis Carrogis Carmontelle hacia 1763.

Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como padre, tenía la obligación de cultivar. Cuando el niño iba a cumplir seis años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre «quiso compartir con el mundo el milagroso talento de su hijo…». Leopold creyó que proclamar este milagro al mundo era un deber hacia su país, su príncipe y su Dios, por lo que tenía que mostrarlo a la alta sociedad europea, ya que de otra manera él sería la criatura más ingrata.

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Wolfgang tocando el clavicordio y Thomas Linley
(de la misma edad) el violín, durante su estancia en Florencia en 1770.

El biógrafo Maynard Solomon afirma que mientras Leopold era un profesor fiel a sus hijos, existen evidencias de que Wolfgang trabajaba duramente para avanzar más allá de lo que le enseñaban.Su primera composición impresa y sus esfuerzos precoces con el violín fueron por iniciativa propia y Leopold se vio fuertemente sorprendido. Padre e hijo tenían una relación muy estrecha y estos logros de niñez hicieron llorar de alegría a Leopold más de una vez.

Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se hizo evidente. Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó música, así como el resto de asignaturas académicas.

Wolfgang01Retrato de la familia Mozart hacia 1780, obra de Johann Nepomuk della Croce. De izquierda a derecha, Nannerl, Wolfgang y Leopold. El retrato de la pared es de Anna Maria, la madre de Mozart, que falleció en 1778.

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Jean Sibelius (nacido el 8 de diciembre de 1865 en Hämeenlinna, falleció el 20 de septiembre de 1957 en Ainola, su casa en Järvenpää) es el más conocido y más respetado compositor finlandés de todos los tiempos.

Sibelius nació en Hämeenlinna (en sueco Tavastehus), perteneciente entonces al Gran Ducado de Finlandia de Rusia. Era hijo de un doctor rural. Si bien su familia lo llamaba Janne, durante sus años estudiantiles comenzó a usar Jean, una forma francesa de su nombre original, permaneciendo así hasta el presente.
Sibélius_as_a_schoolboySibelius hacia 1880.

Pese a que su familia hablaba sueco, decidió enviarlo a una escuela de habla finlandesa, contra lo que podía esperarse en el contexto impuesto por el movimiento Fennoman, por lo que Sibelius asistió al Liceo Normal de Hämeenlinna entre 1876 y 1885. El nacionalismo romántico sería un elemento crucial en la producción artística de Sibelius.
a3829807cdbe49e9d7bd7319ccf36a35 Pocos compositores fueron capaces de capturar en la música los mitos, la historia y la belleza natural de su país de origen como Sibelius lo hizo. Sus trabajos más aclamados son los siete sinfonías, poemas de tono y el concierto para violín.
Sibelius fue el hijo de un médico municipal, Christian Gustaf Sibelius, y su esposa Maria Charlotta Borg. Originalmente bautizado Johan Christian Julius, joven Sibelius pronto recibió el nombre de mascota “Janne” después de fallecido el hermano del Dr. Sibelius, el capitán mercante Johan “Janne” Sibelius.

Sibelius_family_trioEn sus años de estudiante, Sibelius comenzó a utilizar las viejas tarjetas de llamadas de Johan Sibelius, que se encuentran entre los papeles de su difunto tío. Su tio Janne usaba su nombre en francés, como era la moda en el momento, y así es como Johan Christian Julius “Janne” Sibelius fue conocido como Jean Sibelius para el resto de sus dias.
Se matriculó en Derecho en 1885 en la Universidad Imperial de Alexander de Finlandia en Helsinki, pero sólo podía concentrarse en la música, asi que dejó la escuela de derecho después de un año.
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A partir de 1885-1889, estudió música en diversas instituciones en Helsinki, incluyendo el Instituto de Música de Helsinki – Hoy Academia Sibelius – en virtud de Martin Wegelius. Continuó sus estudios en la próxima década, por primera vez en Berlín (1889-1890) y luego en Viena (1890-1891).
En Finlandia, se convirtió en parte de la ola de artistas Fennoman cuyas filas se incluye célebres escritores y pintores como Akseli Gallen-Kallela, Pekka Halonen, Eero Järnefelt, Arvid Järnefelt, Eino Leino, Robert Kajanus, Juhani Aho y Eero Erkko. Varios de estos artistas decidieron formar una comunidad alrededor del Lago Tuusula cerca de Helsinki.
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Sibelius tenía una relación particularmente estrecha con la Järnefelts, y más tarde se casó con Aino, la hermana de Eero y Arvid. En 1890 el escritor finlandés Juhani Aho despertó el enojo de Sibelius con la publicación de “Yskin” (“Solo“), novela autobiográfica e historia de amor donde el autor retrataba su pasión por Aino, cuando ella ya estaba comprometida con Sibelius. Posteriormente Sibelius olvidaría gradualmente el episodio, él y Aho serían amigos cercanos en la vejez.
Jean y Aino tuvieron seis hijas: Eva, Ruth, Kirsti-Maria (que murió de fiebre tifoidea cuando tenia 1 año), Katarina, Margareta y Heidi.
Después de su regreso a Finlandia en 1891, Sibelius continuó escribiendo la Sinfonía Kullervo, que había comenzado en Viena. Estrenado en 1892, el Kullervo fue uno de los grandes éxitos de la carrera de Sibelius.
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Aino la esposa de Sibelius con Eva , 1º hija en 1893

 


Durante el período de la opresión rusa, Sibelius se convirtió en uno de los símbolos de la lucha nacional. obras patrióticas tales como Finlandia y el Cantar de los atenienses levantaron espíritus finlandeses durante esos tiempos difíciles.  Elperiodo Nacional-romántico de Sibelius terminó con la Sinfonía No. 1 (1899).
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En 1904, se completó la nueva casa de Jean y Aino Sibelius. Construido por el Lago Tuusula, la casa era llamada Ainola, “la casa de Aino”. Una vida social en horas de la noche activas en restaurantes de Helsinki habían comenzado afectan a la vida familiar de Sibelius y su trabajo como compositor.

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photo_maria_sibelius“En Helsinki, la canción dentro de mí murió”, declaró más tarde Sibelius. Ainola proporcionó a Sibelius el entorno de
trabajo perfecto para el resto de su vida. En los primeros años de adolescencia del siglo, Sibelius realizó varios viajes de conciertos a Gotemburgo, Riga, Copenhague, Berlín y otras ciudades; como resultado de estos viajes, su reputación internacional comenzó a crecer. La Gran Guerra de 1914-1918 trajo tiempos difíciles para Sibelius, tanto mental y materialmente.
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Con el fin de asegurarse ingresos, tuvo que componer pequeñas obras – canciones, piezas para piano y composiciones para violín y piano. La ruptura creativa de 1920-1922 fue seguido por las sinfonías. Pero continuó actuando en el extranjero y completó su Sinfonía No. 6 (1923) y la Sinfonía No. 7 (1924).photo_js_desk
Música fúnebre para op órgano. 111b (1931), que Sibelius compuso para el funeral de su amigo Akseli Gallen-Kallela, generalmente se consideró su última obra pública. Aunque Sibelius continuó trabajando en su sinfonía octava hasta 1943. Pero se destruyo este y otros trabajos en una gran hoguera en Ainola en finales de 1940.

11064166793_3609b74058_bHacia el final de la década de 1940 Sibelius mostró que “el silencio de Ainola” no era tan tranquilo, ya que se ponia a pensar. Durante una sola noche en 1946 compuso la Masones, dos nuevos temas de la música ritual, Veljesvirsi y el himno Alabanza. En 1948, hizo correcciones, estas canciones, y una serie de otros números musicales masónicos, listo para imprimir.
JS_lukeeAino-Sibelius-Oleg-Kagan-1965Aino hablando de Sibelius ya en sus últimos años

Sibelius se mostró satisfecho con la situación general. “Es maravilloso que se consigue durante la vida”, dijo en una entrevista en 1947. “Hay mucha gente que nunca se llega a saber lo que se valora su arte”. Además, Aino dijo: “En los últimos 20 años he intentado mejorar su vida, y especialmente alrededor del 15 años antes del final que fuera todo suave “, recordó más tarde. la única molestia era la tendencia del compositor a exagerar la más mínima críticas negativas y otras manchas en la reputación del compositor. la tendencia en vano de luto le controla y agobiaba por las dos partes relacionadas.
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Sibelius comenzó a hablar de su avanzada edad hasta 1948, y para explicar la negativa de varias invitaciones a eventos en el extranjero. Su secretario privado Santeri Levas considera los años de jubilación del compositor a la edad de 82 años honorables.
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En el mismo año Sibelius dio a su único radiohaastattelunsa. Sibelius dijo a la Compañía Finlandesa de Radiodifusión Kalevi en una entrevista donde engrandecía a los bosques. “Aquí en Ainola el silencio habla”, dijo Sibelius jyhkeästi. La entrevista transmite la capacidad de un Sibelius respondiendo brevemente, sin proporcionar ninguna información adicional.
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Hizo apariciones semi-públicas en el 85 cumpleaños del compositor en Ainola en diciembre de 1950. Räiskivät en especial el Presidente de la República J. K. Paasikivi visitó al compositor. La visita se produjo mucho después de que dos de sus hijas Hämeenlinna se graduaran de secundaria, con recuerdos de los profesores y compañeros de la clase en la década de 1880.


sibelius_ja_eugen_ormandy_130651Jean Sibelius se reunió con Eugen Ormandy
en Ainola en junio de 1951 (en la foto) y de nuevo en 1955.


Para celebrar, Olin Downes escribió un artículo del New York Times. Downes tenía a Sibelius como gran el compositor de1 1900 neoklassistina y lo coloca una vez más pilkkaamiensa como “modernista” y “intelectual” . El artículo, por supuesto, sólo alimentó la rabia de los enemigos Downes. Sibelius fue gracias a los escritos del compositor de arquetipo conservador.
 

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En 1955, Sibelius trabajó con Yehudi Menuhin, la Orquesta de Filadelfia y  el director de orquesta Eugene Ormandy. En diciembre del mismo año, secelebró el 90 aniversario dentro de la familia.

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Los últimos años Sibelius gozaba de buena salud, leia, caminaba, miraba por la naturaleza y siguió a través del mundo de la radio y, especialmente, eventos de música,” escribió Jalas. “Tenia contacto con el mundo exterior para a saludar a los parientes que venian averlo y huéspedes, que rara vez recibia.

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El secretario privado Santeri Levas escribió “Parece que el último año de su vida el maestro ya no era el mismo. Se sentaba en su silla, una gran cantidad de libros en una esquina. En invierno no se movió en absoluto, salia al aire libre en el verano y sólo con buen tiempo “.
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Componiendo el compositor ya hablaba con su secretaria. Compuso la Octava Sinfonía, tragedia había terminado en la sumisión. La familia aún tenía que estar alerta por que las críticas negativase incluso pequeñas manchas de la reputación del mundo, que recibió el compositor y lo deprimió. 

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Sibelius murió de una hemorragia cerebral a la edad de 91 el 20 de septiembre de 1957 en Ainola. Después de la ceremonia conmemorativa en la catedral de Helsinki, el ataúd de Sibelius fue llevado a Ainola y enterrado en el jardín donde descansa hoy.

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PEJE03 19610910 JÄRVENPÄÄ, FINLAND: Russian-born composer Igor Stravinsky lays flowers on Finnish composer Jean Sibelius's grave at Sibelius's home, Ainola, in Järvenpää, Finland, on September 10, 1961. LEHTIKUVA / PERTTI JENYTIN /rl
El compositor de origen ruso Igor Stravinsky deposita flores en la tumba de compositor finlandés Jean Sibelius en la casa de Sibelius , Ainola , en Järvenpää , Finlandia , el 10 de septiembre de 1961.

Los dolientes se alinearon en las calles y carreteras de todo el camino desde el centro de Helsinki de la ciudad de Järvenpää.

kiinnostava_ainola_1Aino vivió allí los siguientes doce años, hasta su muerte el 8 de junio de 1969, y fue sepultada junto a su esposo. En 1972, los hijos sobrevivientes de Sibelius vendieron Ainola al estado de Finlandia. En 1974, el Ministerio de Educación y la Sociedad Sibelius abrieron allí un museo.
Sibelius-House _DSC4645_1IMG_2414*Gracias a google por las fotografias.

PAU CASALS

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Pau Casals, cuyo nombre completo era Pau Carles Salvador Casals i Defilló (El Vendrell, 29 de diciembre de 1876 – San Juan de Puerto Rico, 22 de octubre de 1973), a nivel internacional, es uno de los músicos españoles más destacados del siglo XX. De padre catalán y madre nacida dentro de una familia de catalanes indianos en Puerto Rico, Casals es considerado uno de los mejores violonchelistas de todos los tiempos.

pau_casalsUna de sus composiciones más célebres es el «Himno de las Naciones Unidas», conocido como el «Himno de la Paz», compuesto mientras residía en Puerto Rico, y donde residían otros españoles renombrados internacionalmente, como Juan Ramón Jiménez y Francisco Ayala. Magnífico director de orquesta y notabilísimo compositor, Casals fue siempre un artista completísimo, de férrea disciplina y gran dedicación.

Además de destacar como intérprete, Casals también fue reconocido por su activismo en la defensa de la paz, la democracia, la libertad y los derechos humanos, que le valieron prestigiosas condecoraciones como la Medalla de la Paz de la ONU y ser nominado al Premio Nobel de la Paz. Casals también manifestó públicamente su oposición al régimen franquista y su deseo de ver una Cataluña independiente o con un grado alto de autonomía (vid. cap. V de sus memorias, dictadas originariamente en francés a Albert E. Kahn y traducidas al catalán como Joia i Tristor).pau

Pau Casals murió el 22 de octubre de 1973, a la edad de 96 años, en San Juan de Puerto Rico, a consecuencia de un ataque al corazón. Fue enterrado en el Cementerio Conmemorativo de San Juan de Puerto Rico. En esa localidad se organiza el actual Festival Casals de Puerto Rico y está ubicado el Museo Pablo Casals.

El 9 de noviembre de 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados al cementerio de El Vendrell, su población natal, donde actualmente descansan.

En el centro de Vendrell se ubica la Casa-Museo de Pau Casals, y en el barrio de San Salvador de la misma población, la sede de la Fundación Pau Casals, con otra casa-museo frente a un auditorio bautizado con su nombre, y con un busto realizado por el escultor Josep Maria Subirachs.

Auditori---escultura-placa-anexe-a-l_auditori_20101103125654Entre las contribuciones más importantes de Pau Casals destaca haber cambiado la técnica de la interpretación de violonchelo, buscando movimientos más naturales alejados de la técnica rígida del siglo XIX y pegando el arco a las cuerdas siempre. Rescató del olvido las estupendas suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach, son legendarias las grabaciones que de ellas hizo entre 1936 y 1939, aunque las grabó repetidamente.

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Casals mostró ya desde su infancia una gran sensibilidad por la música. Su padre, Carles Casals i Ribes, también músico, le transmitió los primeros conocimientos musicales, que Pau Casals amplió con estudios en Barcelona y Madrid. En esta ciudad compartió estudios con el otro grande del violonchelo español del siglo XX, Juan Ruiz Casaux, siendo ambos discípulos del catedrático de la Escuela Nacional de Música, Víctor Mirecki, iniciador de la escuela violonchelística española moderna, y de Jesús de Monasterio en la cátedra de perfeccionamiento de música de cámara. Con tan solo 23 años, inició su trayectoria profesional y actuó como intérprete en los mejores auditorios del mundo.

En calidad de intérprete, aportó cambios innovadores a la ejecución del violonchelo e introdujo nuevas posibilidades técnicas y expresivas. Como director, buscaba igualmente la profundidad expresiva, la esencia musical que sabía alcanzar con el violonchelo. Son especialmente conocidas las versiones que dirigió en el Festival de Malborough de los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach, su músico predilecto, sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, etc.
6-enric-granados-i-pau-casals“Enric Granados i Pau Casals són dos dels músics més importants del nostre temps. Granados a través el piano i Casals amb el violoncel , van contribuir a la creació artística del segle XX, compartint el fruit de les seves dues personalitats aparentment contraposades, però essencialment unides. Unides per l’amor al seu país, per la vocació per la música i per una amistat incondicional.
Pau Casals i Enric Granados es van conèixer el 1891 a Barcelona. Granados, deu anys més gran que Casals , es va convertir musicalment , en el seu millor amic i en l’aspecte personal, en una mena de germà gran. La seva amistat, va durar fins la prematura mort de Granados vint anys després.”*

Pau Casals ejerció también como profesor en el Real Conservatorio de Madrid. Además de violonchelista, también desarrolló su carrera como compositor, dejando un legado de obras, entre las que se incluyen el oratorio El Pessebre, que presentó en diversos países. Popularizó la antigua canción catalana “El cant dels ocells” tocándola en la sede de la ONU; esta melodía ha acabado erigiéndose en un verdadero canto a la paz. En 1973, muere en San Juan de Puerto Rico: el gobierno del país declara tres días de luto nacional, se reciben las condolencias de todos los jefes importantes de estado, los grandes músicos y el pueblo en general. En la Ciudad de México, desde el teatro principal, el Palacio de las Bellas Artes, se presenta el poema sinfónico El Pessebre con renombrados solistas, dos orquestas y coro, dirigidos por Enrique Gimeno que fue retransmitido por satélite internacionalmente.**

casals* **Datos historicos compartidoa de:
http://blocs.xtec.cat/bondiaambmelodia/2015/04/
https://es.wikipedia.org/wiki/Pau_Casals

JOHANN SEBASTIAN BACH

JOHANN SEBASTIAN  BACH

Tal día como hoy hace 292 años, en Leipzig (Austria), en la iglesia de San Nicolás, se presenta al público por primera vez, en Viernes Santo, “La pasión, según San Juan”, obra de Johann Sebastian Bach, basada en los capítulos 18 y 19 del Santo Evangelio de Juan, que lleva componiendo varios meses.

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Pasión según San Juan, BWV 245

Fue escrita en las fechas previas al Viernes Santo de 1724, y está basada en los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan. Las palabras de la apertura, las arias, los recitativos y los corales se tomaron de diferentes fuentes, entre otras, de la Pasión según San Mateo, BWV 244 y de la traducción que Martín Lutero había hecho de la Biblia. La Pasión según San Juan es quizás menos familiar que la Pasión según San Mateo; ésta de mayor duración y que permitió que el público redescubriera a J. S. Bach gracias a la interpretación que Felix Mendelssohn hizo de esta obra en 1829. Comparando ambas obras, la Pasión según San Juan ha sido descrita como más extravagante, con una inmediatez expresiva a veces desenfrenada y menos terminada.

800px-JohannespassionOriginalmente la Johannes Passion iba a ser interpretada por primera vez en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig, pero finalmente se hizo en la iglesia de San Nicolás en 1724. Fue cambiada en numerosas ocasiones hasta la versión definitiva de 1740. Las partes que Bach eliminó se agregaron posteriormente como apéndices.
A diferencia de la Pasión según San Mateo, la obra sufrió diferentes modificaciones, siendo la más conocida la de 1724.
En 1725 Bach cambió la apertura original Herr, unser Herrscher, dessen Ruhm por O Mensch bewein dein Sünde groß, que posteriormente pasó a ser final de capítulo en la Pasión según San Mateo. El final de la primera parte se cambió por Christe, Du Lamm Gottes de la BWV 23, añadiendo además tres arias.
En 1730 se vuelve a modificar la obra suprimiendo los cambios que se habían introducido en 1725, y agregando dos recitativos del Evangelio de Mateo.
En 1749 Bach cambió algunos diálogos regresando a la versión de 1740, quedando ésta como definitiva.

En una época que avanza hacia la moda ilustrada de la melodía galante, que al final Mozart se encargará de culminar a su modo, Bach sostiene su arte en la tibia veladura del contrapunto, colofón final a la polifonía renacentista.

        Puede que Bach trabajara en una primera pasión (hoy perdida) en su estancia en Weimar de la que posteriormente se fugaran movimientos a las siguientes (Juan en 1724, Mateo en 1727). En 1731 presenta la Pasión según San Marcos, de la que se conserva completo el texto de Picander y tan sólo parte de su música.

0028941932426        Después del Magnificat y el silencio monacal de las seis semanas de Adviento en las que se interrumpía la música en Leipzig (a excepción de la fiesta de la Anunciación), Bach dispuso de tres meses para dar forma al espectáculo de su pasión. Tendrá que recuperar y elaborar trabajos anteriores de su época en Weimar para su final interpretación el 7 de abril de 1724 en la iglesia de San Nicolás.

        Bach seleccionó los versículos bíblicos literales desde Juan 18:1 hasta 19:42. Para mantener la estructura literaria y la coherencia del relato recurrió a las descripciones de otros evangelistas que se pronunciaban allí donde Juan callaba.
También recopiló y ensambló distintos himnos y poemarios luteranos tradicionales de los siglos XVI y XVII.  De este supuesto problema estético, de la heterogeneidad de las fuentes, se le acusará a la obra cuando se la compare con la posterior Pasión según San Mateo, escrita entera por Picander.

        Tenemos que recordar que aunque Bach no se inscribió nunca en la Universidad era un buen conocedor de la teología luterana y de la lengua latina, necesarios en la cantoría y sobre los cuales se le examinó antes de ser elegido para el puesto. Los libros inventariados a su muerte en la biblioteca personal del músico serán de exclusiva materia teológica.

Mocking_of_Christ_by_Gerard_van_Honthorst        El Evangelio de Juan entra a menudo en contradicción con los evangelios sinópticos. En comparación a la naturaleza de la narración de Lucas, Marcos o Mateo, la  forma literaria y el contenido de la versión de Juan es muy diferente, más sombría y emotiva.

        Jesús es la palabra de Dios por excelencia que testimonia su Verbo, que insta al hombre a salir de sus tinieblas para recuperar en libertad el paraíso perdido. Dios asume la forma humana en el héroe que en su martirio purga el pecado de los hombres. En el Evangelio de Juan se destaca la figura humana de Jesús. Éste no se nos aparece como sacerdote, pues a sí mismo se inmola; sino impotente, temeroso y angustiado. El carácter trágico se intensifica en la duda de Jesús.

        Bach construye su obra más extensa hasta entonces. Utiliza el conjunto instrumental más numeroso que hubiera empleado nunca en Leipzig. Le otorga más peso a la sección de cuerdas: violines, violas, violas d´amore, viola da gamba, violonchelos, violones. Usa un acompañamiento de doble continuo con clave y órgano. Se suman flautas traveseras, laúd, oboes d´amore y oboe da caccia.*


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Pasi%C3%B3n_seg%C3%BAn_San_Juan,_BWV_245
http://www.sinfoniavirtual.com/revista/022/pasion_segun_juan_bwv245.php

JUAN GRIS

JUAN GRIS

Tal día como hoy hace 129 años, en Madrid (España), nace el pintor Juan Gris, que será considerado uno de los maestros del cubismo junto a Picasso y Braque.

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En el reverso se reproduce el óleo La table du musicien (La mesa del músico), obra de Juan Gris, que forma parte de la Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid.. Otras emisiones del Programa Europa: 2004, 2005, 2006, 2007, 2208, 2009, 2010, 2011

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*José Victoriano González-Pérez nace en Madrid en 1887, en el seno de una familia bien situada, lo que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.

MTMwMTU1OTcxNTIyNjAzNjUxEntre 1904 y 1906 estudia en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico, además de ilustrar el contenido y cubiertas de obras literarias como Alma América de José Santos Chocano, Canciones del camino de Francisco Villaespesa y Alma. Museo. Cantares de Manuel Machado. Su estilo en estos años recuerda a Toulouse-Lautrec y los pintores modernistas catalanes.

En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. Vivía en un hostal, en el Bateau-Lavoir de Montmartre durante unos diez años.

En sus primeros años parisinos subsiste dibujando para publicaciones como L’Assiette au Beurre, Le Cri de Paris, Le Témoin y Charivari.

Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración, aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos de esta fase. El Museo Thyssen-Bornemisza posee un dibujo de 1911 que sorprende por su radicalidad.

En 1912 Juan Gris da claramente el salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des Indépendents de París. El verano de 1913 lo pasó en Céret, donde empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo.

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Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la vuelta al orden que emprendieron muchos otros artistas como André Derain. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. Esta última etapa ha sido habitualmente subestimada por comparación con el cubismo analítico, pero ha recobrado estimación en fechas recientes y fue motivo de una antológica en el Museo Reina Sofía en 2005.

En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev.

Falleció en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927 víctima de la tuberculosis.

Al igual que otros cubistas y que el arte moderno en general, Juan Gris tuvo escaso predicamento en los circuitos culturales españoles mientras vivió. Todavía décadas después de su muerte, su producción tenía escasísima presencia en los museos públicos. A partir de la década de 1980 diversos museos y colecciones emprendieron la adquisición de pinturas suyas, gracias a lo cual actualmente existen varios conjuntos importantes. Hay que destacar el generoso muestrario del Museo Reina Sofía y el grupo de obras reunido por la fundación de la compañía Telefónica, que se expone en un edificio de la Gran Vía madrileña. Existen además obras de Gris en: Museo Thyssen-Bornemisza, Academia de San Fernando…*

download-155897-The-Open-Book*Datos hidtóricos comartidos de la wikipedia: