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Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi

“Tal día como hoy hace 203 años, nace en Roncole (Italia), el italiano que será compositor de importantes y grandiosas óperas, Giuseppe Verdi.”

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Giuseppe Verdi

*Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Roncole, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor de ópera italiano.
Verdi compuso ópera durante toda su vida y perfeccionó su arte con la influencia de Rossini, Bellini y Donizetti con el uso de las formas de la grand opéra francesa, para desembocar en la creación de sus obras maestras shakespearianas, Otello y Falstaff, en las que se apuntan algunas de las innovaciones de Wagner en la forma de la ópera. A lo largo de su vida, su originalidad y fecundidad no tuvieron rival.
Verdi

Nació en el pueblo de Roncole, cerca de Parma, entonces bajo la dominación napoleónica, el mismo año que nacería Richard Wagner. Carlo y Luigia Verdi, padres del futuro gran músico, eran más bien pobres: regentaban una pequeña posada que tenía anexa una tienda de comestibles; para aprovisionarse, acudían a un rico mayorista de Busseto, Antonio Barezzi, que era también el alma de la cultura musical ciudadana por su cargo de presidente de la Sociedad Filarmónica local.

Carlo Verdi envió a su hijo que estudiara en la casa parroquial, donde recibió las enseñanzas del reverendo Pietro Baistrocchi, que, naturalmente, junto a las primeras letras, le hizo aprender los fundamentos de la música en el órgano de la iglesia. Verdi asimilaba con tal rapidez las enseñanzas del padre Baistrocchi, que llegó al extremo de sustituirlo, cada vez más a menudo, en el puesto de organista, dedicación que en la iglesia alternaba con la de monaguillo. En 1822, comenzó sus estudios musicales con Ferdinando Provesi, [2] que ejercía los cargos de organista y maestro de capilla en la catedral, además del de maestro municipal de música en la Sociedad Filarmónica, la institución presidida por Barezzi y que constituía, con relación al coro de la iglesia, la vertiente laico de la vida musical de Busseto. El gran Provesi ya nada tenía que enseñarle y Barezzi, firmemente convencido del futuro de aquel joven encaminado a convertirse en su yerno, obtuvo para él una beca del Monte de Piedad local, que le permitía seguir estudios en Milán.
Primeros días en Milán
Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

El único pasatiempo que tenía Verdi era asistir a los espectáculos de La Scala ya los ensayos y conciertos de la Sociedad Filarmónica. Durante uno de estos ensayos -se estaba preparando el difícil oratorio La creación, de Haydn- faltaron los tres directores titulares y Verdi tuvo que sustituirlos. Las sonrisas de suficiencia con que los nobles músicos iniciaron el ensayo se mudaron muy pronto en estima y, finalmente, en profunda admiración, hasta el extremo que le rogaron que dirige personalmente el concierto, en el que obtuvo un éxito halagüeño. Massini le propuso la composición de una ópera y le suministró también el libreto, ya impreso y titulado Rochester, del que era autor un tal Antonio Piazza.

Margherita Barezzi

Con la muerte de Ferdinando Provesi, Verdi vuelve a Busseto, donde permaneció durante tres años, de 1836 a 1839. Apenas obtenido el cargo, se casó con Margherita y formó un hogar, en la que al cabo de un año nació Virginia, seguida al poco por un segundo hijo, Icilio. Tras dimitir a Busseto, volvió en febrero de 1839, apoyado una vez más por la generosidad financiera del suegro.

Los jovencísimos esposos, que el año anterior, estando aún en Busseto, habían perdido ya la pequeña Virginia, se les moría, también el 22 de octubre, su segundo hijo, Icilio.

Por otra parte, el 17 de noviembre de 1839 Verdi estrena su ópera Oberto, Conte di San Bonifacio, con el libreto y el título modificados en La Scala, con un éxito «no grandioso, pero bueno”, según escribió el mismo compositor. Bartolomeo Merelli, que regentaba el teatro en aquellos momentos, le encargó a Verdi inmediatamente una segunda ópera, cómica esta vez, por exigencias de equilibrio de géneros en la programación. Como no había tiempo para procurarse un libreto original, se recurrió entonces, algo habitual en aquellos tiempos, en un librito escrito hacía más de veinte años por Felice Romani, autor de los textos de casi todas las óperas de Bellini. La obra fue Un Giorno di Regno (Un día de reinado), con un texto muy mediocre, no tanto por la calidad intrínseca de los versos, como por la soporífera reiteración de la trama.

Placa conmemorativa del 150 aniversario
de la muerte de Margherita en Milán

Margherita, que tras la muerte de Icilio, tan próxima a la de la primogénita, no se había recuperado, enfermó de encefalitis y murió a los pocos días, el 18 de junio. Verdi se sintió aniquilado: volvió a Busseto y durante todo el verano estuvo inmerso en el dolor. A finales de esta estación, sin embargo, acosado por las exhortaciones de Merelli, volvió a Milán y reanudó su actividad, buscando en el trabajo un camino de evasión.

En estas condiciones era muy difícil componer la opera buffa que se estrenó el 5 de septiembre de 1840. El tema era trillado, la música era más bien mediocre y la interpretación fue pésima.
Verdi se refugia en Busseto. Pero quien parte de una pequeña comarca para volver derrotado, no puede esperar encontrar el reposo y la serenidad de un cariñoso consuelo. Imposible quedarse. Verdi marchó a Génova para retocar la partitura de su Oberto, que iba a representarse en el transcurso del otoño. En retocarla, la empeoró considerablemente, aceptando entre otras cosas secundar el gusto más reaccionario del público. Pero la ópera sólo obtuvo un moderado éxito. Como no podía seguir soportando la atmósfera opresiva y burlona de Busseto, retornó a Milán, que representaba para él el único lugar donde podía refugiarse en el anonimato más absoluto.


na noche de invierno, se encontró casualmente con Merelli, que se dirigía al teatro. Caían grandes copos de nieve y él, cogiéndolo del brazo, lo invitó a acompañarlo en el camerino de La Scala. Mientras iban caminando, le explicó que estaba preocupado por la nueva ópera que tenía que ofrecer y que había encargado a Nicolai, pero este no estaba contento con el libreto. Se trataba de Nabucco, con versos de Temistocle Solera. Verdi ante las lamentaciones financieras de Merelli, cerró la cuestión pagando de su propio bolsillo los nuevos contratados. Lo que, en cambio, no pudo evitar fue el uso de viejos decorados y vestidos, provenientes de las óperas más dispares y que se readaptar y restaurar para aquella ocasión. Durante los ensayos, el teatro caminaba revolucionado por una música nueva. El carácter de la partitura era tan insólito y desconocido, el estilo tan rápido y nuevo, que el estupor era general; cantantes, coro y orquesta, al escuchar esa música, mostraban un entusiasmo extraordinario. Y aún hay más: era imposible trabajar en el teatro, fuera del escenario, ya que los operarios, pintores, iluminadores y tramoyistas, electrizados por lo que escuchaban, dejaban sus tareas para asistir boquiabiertas a todo lo que se ponía en escena.


Imagen de una representación moderna de Nabucco

Nabucco se estrenó en La Scala el 9 de marzo de 1842, con la soprano Giuseppina Strepponi, en el papel de Abigaille. Strepponi se convirtió en el amante de Verdi, y pasado mucho tiempo desde la muerte de su primera esposa, en 1859, se casó con ella. La velada tuvo un crescendo de entusiasmo, llegando a extremos delirantes al término del «Va, pensiero», cuando todo el teatro se levantó de golpe y, pasados ​​unos interminables minutos de aplausos, se concedió el bis.

Fue uno de los más fervientes casos de total identificación entre público y ópera que se recuerdan en la historia de la ópera. En el mundo de la lírica, dominado hasta entonces por las melodías astrales, lánguidas y dulcísimas de Bellini y Donizetti, irrumpía una música potente, a veces brutal e incluso rudo, pero hecha siempre de carne y sangre, con la vitalidad y la fuerza de un río en plenitud. Una música que sintonizaba completamente con el estado de ánimo de un público cada vez más intolerante con la dominación austríaca. Sólo se pudieron dar ocho funciones de Nabucco durante el mes de marzo debido a exigencias de programación, pero cuando esta ópera volvió a estar en cartel en verano, se representó durante 57 noches, cifra fabulosa incluso en aquellos años.

Ahora, la alta sociedad de Milán competía para tenerlo en sus salones. En 1842, nacieron las relaciones de Verdi con la condesa Appiani, con la noble dama Morosini y, sobre todo, con la condesa Clara Maffei o Clarina, en el salón de la cual se agrupaban los mejores cerebros de la Lombardía, atraídos por el espíritu, gracia y patriotismo de Clarina, así como por la amabilidad y cultura de su marido, Andrea Maffei, que estaba completando la primera traducción al italiano de Shakespeare y de Schiller.

Cuando Clarina, pocos años después, se separó de su marido, iniciando su convivencia con el poeta y patriota Carlo Tenca, Verdi continuó manteniendo la amistad de ambos, pero fue Clarina la que ocupó siempre un lugar destacado en el restringido número de sus afectos. Este sentimiento de amistad de Verdi se vería más que correspondido por ferviente carácter de esta indómita criatura de aspecto benigno y dulce, que poco a poco transformaría su salón en una auténtica fragua irredentista, lugar de encuentro de los espíritus más animosos y batalladores de la ciudad, que allí prepararon la gran insurrección de 1848. Verdi era una de las figuras centrales de ese grupo, si bien políticamente no estaba comprometido de una manera directa. Pero su música se había convertido ya en sinónimo de libertad, de lucha y de rebelión contra la dominación extranjera.

Un dels seus llibretistes: el poeta Francesco Maria Piave

La seva fama creixia, però precisament per això li era més necessari que mai ser present en tots els teatres importants, escrivint ininterrompudament per consolidar la seva talla artística. Va estrenar un gran nombre d’òperes en la dècada posterior a 1843, un període que el mateix Verdi va anomenar els anys de galeres. El 9 de març de 1844, any que va seguir el triomf d’I Lombardi es va posar en escena al teatre La Fenice de Venècia la seva òpera Ernani, que va assenyalar l’encontre entre Verdi i l’exseminarista i poeta Francesco Maria Piave, destinat a convertir-se en l’autor de fins a deu llibrets de Verdi, amb qui va establir una relació d’íntima i fidel amistat.
Así, al año siguiente de Nabucco, el 11 de febrero de 1843, Verdi puso en escena I Lombardi alla prima crociata (Los lombardos en la primera cruzada), que mantenía el espíritu de la ópera precedente, suscitando auténticos delirios por su tema, que sacaba descubiertamente a escena el pueblo lombardo. Temistocle Solera había compuesto el libro inspirándose en un poema de Tommaso Grossi, otro habitual del salón de los Maffei. También en esta obra el éxito cuajó en el entorno de un corazón, O Signor che del Tetto natio (Oh, señor que del solar nativo), que los lombardos cruzados entonan en el tercer acto. Junto con el Va, pensiero, pronto este corazón quedó elegido como símbolo patriótico y se cantaba por las calles como reto intimidante hacia las tropas austriacas.

Verdi en SantAgata , 1898 de izquierda a derecha Stolz , Strepponi , Campanari , Verdi , Guilio Ricordi , Giuditta Ricordi , Metlicevik .

Después de su éxito vendrían los “años de galera” como él mismo los definiría, trabajando por encargos y a ritmo de una ópera al año, de esas óperas, muy de tradición italiana, yo destacaría Macbeth, supone un primer paso enorme hacia el drama musical que Verdi deseaba, es curioso cómo se quejaba de la intérprete protagonista por no tener una voz áspera y malvada, Donizetti, Rossini y me atrevería a decir todos los compositores hasta bien entrado el siglo XX, no habrían siquiera pensado en esa caracterización total de un personaje de ópera.Desde 1847 pasa largas temporadas en Paris, conociendo bien los trabajos de Meyerbeer, Hàlevy o Gounod.
El gran paso siguiente fue, sin duda, la llamada trilogía popular Rigoletto, Trovatore y Traviata, en especial la primera.En 1848 compra Villa Sant’Agata cerca de su tierra natal, donde desde 1851 vivirá casi ininterrumpidamente preocupándose de ampliar y gestionar sus terrenos y cultivos como el campesino que llevaba dentro.
Las siguientes óperas ya se alejan cada vez más del encorsetamiento del melodrama italiano, Il Ballo, La Forza, Don Carlos o Aida, son obras maestras de su propio lenguaje teatral.Verdi

Verdi pasó en París los siete meses siguientes del 1847, que constituyen uno de los momentos cruciales de su vida. Se encontró con la soprano Giuseppina Strepponi; la relación entre ambos, los comienzos de la que se remontaban a los lejanos tiempos del Oberto y que se había profundizado durante las primeras ocho representaciones del Nabucco, se transformó en un lazo afectivo destinado a perdurar toda la vida.

Giuseppina Strepponi, segona esposa de Verdi

Giuseppina había roto las relaciones con el tenor Napoleone Moriani en 1842, y salió con el espíritu destruido y la ve seriamente dañada. A pesar de ello, empujada por las preocupaciones económicas familiares, además de las ocasionadas por el futuro de su hijo Camillino -el otro había muerto casi en nacer-, continuó cantando y había contribuido al éxito de Nabucco.

Después de la revolución fustrado y no teniendo que preocuparse ya de la censura, escribió de un tirón una ópera que es un auténtico himno patriótico y libertario: La batalla de Legnano, es decir, la batalla en la que los ejércitos de la liga Lombarda derrotaron a los del emperador Federico Barbarroja, liberando el norte de Italia de su dominación. Obviamente, tal música correspondió, dado el clima independentista que vivía Italia, un triunfo apoteósico. Con ésta, se cierra el ciclo de las óperas juveniles de Verdi.

Al final de los años de galeras, Luisa Miller (Nápoles, Teatro San Carlo, 8 de diciembre de 1849) y Stiffelio (Teatro Grande de Trieste, 16 de noviembre de 1850) marcó un momento fundamental en la evolución estilística de Verdi. Su pensamiento musical se hizo más refinado y su dramaturgia gira hacia un noble lirismo que exalta la profundización psicológico de los personajes. Verdi había alcanzado la plena madurez artística, que confirmó con los tres títulos de la considerada trilogía popular, un tríptico de obras de argumentos diversos y muy queridas por el público: Rigoletto, Il trovatore y La Traviata, tres óperas destinadas a obtener un éxito abrumador.


La seva casa a Sant’Agata

Mientras tanto, Verdi había adquirido la villa de Sant’Agata, en el municipio de Villanova sull’Arda, en la provincia de Piacenza y no demasiado lejos de Busseto. Aquí se estableció en la primavera de 1851 junto a su compañera sentimental Giuseppina Strepponi. A Sant’Agata, Verdi se dedicó con pasión a la agricultura, y cultivó sus intereses en el arte, la poesía, la economía y la política. Fue elegido consejero comunal de Villanova y consejero provincial.

Hacía ya 10 años largos que Verdi era el compositor más notable italiano y su fama crecía ininterrumpidamente por toda Europa. En 1862 se trasladó a San Petersburgo, donde se estrenó triunfalmente La forza del destino. En 1865, estaba de nuevo en París para la revisión de Macbeth y volvió dos años después, para el estreno de la que es quizás su gran ópera, Don Carlos. Sin embargo, el reconocimiento de la grandeza de esta obra, así como la de Simon Boccanegra, se debe a la crítica más reciente.

Arrigo Boito i Verdi

La vida de Giuseppe Verdi puede dividirse en dos periodos: el juvenil, relleno de tribulaciones y luchas, y el de madurez, pletórico de serenidad e inspiración. Pasó sus últimos años entre Sant’Agata y Milán. El 16 de diciembre de 1899 instituyó la Opera Pia, Casa di Riposo por y Musicisti: quería asegurar el mantenimiento de aquellos «que han dedicado la vida al arte musical» y que se encontraran en condiciones precarias. Según su voluntad, el primer huésped del asilo fue aceptado después de la muerte del compositor.

Su testamento, hecho el 14 de mayo de 1900, Verdi designó como heredera universal una prima de Busseto, Maria Verdi. Sin embargo, dejó muchos legados a diversas entidades sociales, entre las que se encontraba obviamente la Casa di Riposo para Musicisti, en el oratorio de la que fue enterrado junto a su esposa Giuseppina, el 27 de febrero de 1901 . el corazón va, pensiero fue interpretado a su funeral oficial durante el traslado del cementerio en la Casa di Riposo por Musicisti, dirigido por Arturo Toscanini y un coro de 820 cantantes. Dentro de la Casa, se cantó el Miserere de Il trovatore

Fotografia de VerdiPero le queda una obra más por hacer en 1899 se crea la fundación para la Casa Verdi

“Delle mie opere, quella che mi piace di più è la Casa che ho fatto costruire a Milano per accogliervi i vecchi artisti di canto non favoriti dalla fortuna, o che non possedettero da giovani la virtù del risparmio. Poveri e cari compagni della mia vita!”De mis trabajos, el que más me gusta es la Casa que he hecho construir en Milán para acoger a los viejos artistas de canto no favorecidos por la fortuna, o que no tenían de jóvenes la virtud del ahorro. ¡Pobres y queridos compañeros de mi vida!

Durante la Navidad de 1901, la salud de Verdi empeora, está en Milán donde suele pasar los últimos inviernos, por via Manzoni los caballos y las carrozas marchan lentos, hay paja en la calle para amortiguar el ruido de cascos y ruedas… nadie quiere molestar el reposo del maestro… Giuseppe Verdi muere la madrugada del 27 de Enero de 1901 en su habitación de siempre en el primer piso del Grand Hotel et de Milan.*Firma de Verdi


*Datos históricos compartidos de:
https://ca.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Verdi

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Big Ben

BIG BEN

Tan día como hoy hace 157 años, en Londres (Reino Unido), comienza a funcionar el Big Ben, el reloj de la torre del Parlamento, todo un símbolo de la ciudad. El nombre proviene de la primera Gran Campana de Westminster que se había construido para la torre.

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La Torre del Reloj, designada de forma metonímica como Big Ben, fue construida como parte del diseño de Charles Barry para un nuevo palacio, después de que el antiguo Palacio de Westminster fuera destruido por un incendio la noche del 16 de octubre de 1834.7 8 El nuevo Parlamento fue construido en estilo neogótico.

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MONEDAS FRANCIA MONUMENTOS – 100 FRANCOS – 15 EUROS – 15 ECUS – 1994 PLAZA SAN MARCOS VENECIA, 1994 BIG BEN, 1996 GRAND PLACE BRUSELAS, 1997 TOUR DE BELEM LISBOA – Metal: Plata 900 – Peso x moneda 22,2 grs. – Ø x por moneda 37 mm. – Tirada x moneda 20000 – Calidad Proof – Con estuche y Certificado de garantía y autenticidad.

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Big Ben – la Gran Campana de Westminster. Big Ben es el nombre dado a la Gran Campana de Westminster, la campana más grande que se encuentra en una torre, y que en conjunto forman el conocido Gran Reloj de Westminster. La torre fue alzada como parte de una nueva estructura diseñada por Charles Barry -arquitecto inglés, conocido por su participación en la reconstrucción del Palacio de Westminster-; con un estilo gótico victoriano. El tronco de la torre consiste en un enladrillado con revestimiento de piedra, cuatro relojes gigantes y una aguja de hierro fundido que corona la torre. Quizás no es muy notorio, pero dicha torre tiene una leve inclinación debido a las condiciones donde se asienta el terreno y efector térmicos que afectan la oscilación. Y cabe destacar que, el reloj de la torre fue el más grande del mundo en su tiempo, capaz de dar cada hora con la precisión de un segundo. Por otro lado, los laterales del reloj y sus esferas fueron diseñados por Augustus Pugin -arquitecto y diseñador inglés-, quien ideó cada lateral con una estructura esférica de hierro y piezas de cristal opaco; además, en la base de casa cara del reloj hay una inscripción en latín.

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Famoso por su “puntualidad inglesa”, la torre del Big Ben se encuentra ubicada en el lado noroeste del edificio, hoy sede de las Cámaras del Parlamente Británico.

Muchos piensan su nombre no hace referencia ni al reloj ni a la torre sino a la Gran Campana de Westminster, la mayor de las que alberga la torre.http://www.kilbowiepark.co.uk/images/iln/L58/L58-A401B.jpg

Originalmente, el Big Ben fue considerado como uno de los relojes más innovadores, contando con la más avanzada tecnología existente en la época, manteniendo hasta hoy el título de “mayor reloj con carrillón de 4 caras del mundo”.

En la base de cada una de las caras del reloj puede leerse una inscripción en latín que dice: “Domine Salvam Fac Reginam Nostram Victoriam Primam” ( Oh Señor guarda a salvo a nuestra Reina Victoria la primera”).

El cuerpo de la torre, asentada sobre una base de hormigón de 15 metros de lado y 3 metros de espesos, está hecho de ladrillo con un revestimiento de piedra caliza de Anston en tonalidad arena.http://www.teleaire.com/wp-content/uploads/2009/05/potrero1.jpg

El volumen del interior de la torre es de aproximadamente unos 4.650 metros cúbicos, y ésta tiene un peso próximo a las 8.667 toneladas. Sin ascensor, los visitantes que deseen visitar la torre deberán subir 334 escalones de piedra.

El diseño del reloj fue realizado por Edmund Beckett Denison y George Biddell Airy, el Astrónomo Real, encargándose de su construcción el relojero Edward John Dent y tras su muerte en 1853 fue su hijastro Frederick Dent quien completó el trabajo en 1854.

Debido al tiempo que llevó la construcción de la torre, Denison inventó en esa época un peculiar sistema compuesto por un péndulo y una estrella de tres puntas que gira cada segundo sirviendo como separación entre el mecanismo del reloj y el péndulo, ubicado en un espacio cerrado.

Resultado de imagen de Gran Campana de Westminster

Todo el mecanismo del reloj, se encuentra situado en una estancia superior y tiene un peso de cinco toneladas, con la particularidad que en la zona alta del péndulo hay una importante cantidad de peniques, que sirven para ajustar el movimiento del reloj.

Añadiendo una moneda se puede desviar la posición del centro de masas del péndulo y reduce la longitud de la varilla, aumentando a su vez la velocidad a la que oscila, de allí que, agregar o retirar una moneda hace variar la velocidad del reloj.*


*Datos históricos compartidos de:
http://www.arqhys.com/construccion/big-ben-westminster.html
http://www.londresstyle.com/big-ben/

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Nigel Ernest James Mansell, CBE (Upton-on-Severn, Worcestershire, Inglaterra, Reino Unido, 8 de agosto de 1953) es un expiloto de automovilismo de velocidad británico. Disputó 191 Grandes Premios en la Fórmula 1 entre los años 1980 y 1992, y en 1994 y 1995, totalizando 31 victorias, 59 podios, y 32 poles en la máxima categoría. Fue campeón en el campeonato de 1992, subcampeón en 1986, 1987 y 1991, cuarto en 1989, y quinto en 1990, entre otros resultados.

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Debutó en la F1 con Lotus en 1980, y estuvo en ese equipo desde ese año hasta 1984, después fue piloto de Williams en tres etapas desde 1985 hasta 1988, entre 1991 y 1992, y en 1994, además compitió para Ferrari en 1989 y 1990, y para McLaren en 1995.

Asimismo, en 1993 y 1994 Mansell disputó la CART IndyCar Series con el equipo Newman Haas Racing, siendo campeón en su primer año, y octavo en el campeonato de 1994. En esa categoría obtuvo 5 victorias, 13 podios (una de ellas fue un tercer puesto en las 500 Millas de Indianápolis de 1993), y 10 poles.

De origen humilde, estudió ingeniería en el Matthew Boulton College en Hall Green, Birmingham. Trabajó como ingeniero aeroespacial en Lucas Engineering antes de abandonar su profesión por las carreras de automóviles.

 Mansell obteniendo su primera pole position con el Lotus 95T
en el Gran Premio de los Estados Unidos de 1984.

Desde marzo de 2013, y junto a Karun Chandhok y María de Villota, está al cargo de la Categoría de Monoplazas de la Comisión de Pilotos de la FIA.

Es el presidente de UK Youth, una fundación dedicada a apoyar a la juventud.

Mansell ganó 31 carreras de F-1, 32 pole positions y 30 vueltas rápidas en carrera en 187 participaciones, siendo el segundo piloto británico más ganador de todos los tiempos, solo por detrás de Lewis Hamilton y el quinto en la historia de la categoría detrás de Schumacher, Prost, Senna y Alonso.

Aguerrido, arriesgado, agresivo y audaz para adelantar a un rival eran adjetivos que describían al inglés al que los italianos llamaban “Il Leone” (el león). Algo desconfiado en el paddock, y con cierta dosis de mala suerte en las grandes definiciones, Mansell era una verdadera garantía de espectáculo para el espectador de la Fórmula Uno. También fue célebre por usar siempre su mítico “red five” el morro de sus monoplazas.

Fue situado entre los diez mejores pilotos de toda la historia por Murray Walker, comentarista de la categoría por 50 años.

 Nigel Mansell en el campeonato PPG CART IndyCar World Series

Obtuvo la Orden del Imperio Británico (OBE). Ganó el premio BBC Sports Personalidad del año en 1986 y 1992. Ganó el premio del Royal Automobile Club y el premio ESPY por mejor piloto de 1993. En mérito a sus logros, en el año 2005 fue ingresado al Salón Internacional de la Fama de los Deportes Motorizados. El sitio “Hall of Fame” de la página oficial de la Fórmula uno dice sobre Nigel: “uno de los pilotos más excitantes, con su estilo de ‘a todo o nada’ (31 victorias y 32 choques). Su torpe personalidad le dio algunos enemigos, sus heroicas actuaciones millones de fanáticos“.

Con motivo del regreso de la F-1 a México tras 23 años de ausencia, en octubre de 2015 la emblemática curva 17 del Autódromo Hermanos Rodríguez fue bautizada con su nombre como homenaje ya que había sido (hasta entonces) el último piloto campeón del Gran Premio de México en 1992.

 Mansell en el Gran Premio de Gran Bretaña de 2007.

Mientras que la conducción tradicional para tomar las curvas en un auto de carreras consiste en frenar y bajar el cambio suavemente, mientras todavía se corre en una línea recta, y luego doblar al vértice de la curva para acelerar de nuevo, la técnica de Mansell era distinta. Su estilo era frenar duro y tarde, y doblar hacia el vértice mucho antes que lo normal -estando todavía frenando-, llevando más velocidad hacia ese punto. Probablemente haya corrido menos metros que los otros competidores -por ejemplo en carreras como Mónaco el británico calculaba que cada vuelta suya era de 20 a 30 metros más corta que sus rivales. Para conducir de esa manera Mansell necesitaba un auto muy sensible, “nervioso”, pero estable y balanceado en la trompa, por lo cual, un auto con subviraje -como el McLaren Mercedes de 1995- se le hacía casi imposible de controlar. Asimismo, frecuentemente necesitaba frenos reforzados -en el Gran Premio de Portugal de 1984, Peter Warr se negó a proporcionarle a Nigel pastillas de freno más grandes y el británico abandonó por rotura de frenos a pocas vueltas del final, posibilitando el ascenso de Lauda al segundo puesto, posición que le daría el título mundial-.

Puede destacarse que fue el primer piloto que usó un cambio semiautomático en un Fórmula 1 (junto a Gerhard Berger), concretamente en el Gran Premio de Brasil de 1989 (competencia donde además tuvo que cambiar el volante en boxes, y aun así ganó la carrera) con la Ferrari 640, número 27.

 Mansell en su época de Ferrari charla en Boxes en el
Gran Premio de los Estados Unidos de 1990.

Fue el único piloto en comenzar una carrera en reversa. Tal hecho aconteció en el Gran Premio del oeste de los Estados Unidos de 1982, ya que su compañero Elio de Angelis se había colocado mal en la casilla de salida y Nigel puso marcha atrás para permitirle volver a reubicarse en la grilla correcta, justo cuando el semáforo se puso en verde.*


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Nigel_Mansell

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Los Juegos Olímpicos de Helsinki 1952, conocidos oficialmente como Juegos de la XV Olimpiada, se celebraron en Helsinki (Finlandia) entre el 19 de julio y el 3 de agosto de 1952. Participaron 4.955 atletas (4.436 hombres y 519 mujeres) de 69 países, que compitieron en 149 competiciones de 17 deportes.

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El recorrido con la Antorcha Olímpica tuvo lugar desde el 25 de junio hasta el 19 de julio, con una distancia de 4.725 kilómetros y 3.372 relevistas. Helsinki 1952 fue la primera edición en la que los portadores del fuego llevaban un número limitado de antorchas.8 En los Juegos Olímpicos de 1936, edición en que se instauró la tradición de la antorcha olímpica, y en los de 1948, era habitual que muchos relevistas se la quedaran, algo que el COI prohibió en esta ocasión.

La ciudad de Helsinki ya había sido elegida como sede para albergar los Juegos Olímpicos de Verano de 1940, en sustitución de Tokio. Sin embargo, la capital finlandesa no pudo organizarlos por el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. Años después, Helsinki volvió a presentarse, y fue elegida por el Comité Olímpico Internacional el 21 de junio de 1947.

Los Juegos Olímpicos de Helsinki pasaron a la historia por ser la edición donde más récords olímpicos y récords mundiales se batieron, marca que no fue superada hasta Pekín 2008. En esta edición se produjo el debut de la Unión Soviética e Israel, y regresaron Japón y Alemania. El país que más medallas ganó fue Estados Unidos, con 76 preseas. También destacaron por la hazaña del el atleta checoslovaco Emil Zátopek, que ganó la medalla de oro en 5.000 metros, 10.000 metros y la maratón.

200BrazaMascFinal_1952La celebración de estos Juegos Olímpicos coincidió con uno de los momentos más críticos de la Guerra Fría. Las relaciones entre Estados Unidos y la Unión Soviética atravesaban sus peores momentos por la victoria de los comunistas en China y por la Guerra de Corea. Además, en Oriente Próximo se había recrudecido el conflicto árabe-israelí después de que Israel proclamara su independencia, rechazada por los estados vecinos. En cuanto a Europa, Alemania seguía dividida en zonas de ocupación y en principio se optó por reconocerla como un solo estado.

10000+metros+masculinos_jpgEl Comité Olímpico Internacional ya había reconocido a varios comités nacionales como el de Alemania y Japón, ausentes en Londres 1948. En el caso de Alemania, compitieron por separado la República Federal Alemana y el Protectorado del Sarre, que fue independiente hasta su integración en Alemania en 1955. La República Democrática Alemana, de signo comunista, no fue invitada. Respecto a China, el COI reconoció tanto al gobierno de la China Popular como a la China Nacionalista, quienes después de la guerra habían huido a la isla de Taiwán. Ninguna de las partes reconoce a la otra. Al final, los taiwaneses abandonaron la Villa Olímpica dos días antes de la inauguración.

historia_1952aLa Unión Soviética pudo inscribir a sus atletas a última hora, después de que el COI aceptara a su comité en mayo de 1951. Su última participación hasta entonces fue 40 años atrás, como Rusia, en los Juegos Olímpicos de Estocolmo 1912.

En estos Juegos se recuperó la tradición de una villa olímpica para los atletas, aunque no fue hasta Melbourne 1956 cuando se asumió este término. La villa original (Olympiakylä) se situó en el distrito de Käpylä, a tan solo dos kilómetros del anillo olímpico, y su diseño corrió a cargo del arquitecto finés Hilding Ekelund. Ocupó el mismo sitio donde estaba previsto construir la de los cancelados Juegos Olímpicos de 1940. Los edificios fueron construidos para que, una vez terminados los Juegos, pudieran utilizarse como viviendas en el mercado de pisos.

Detalle de la Villa Olímpica de Helsinki.

En un principio, el Comité Organizador esperaba albergar a 3.500 personas. Sin embargo, el éxito de asistencia a los Juegos Olímpicos de Londres 1948 aumentó las previsiones de la organización, que incrementó el número de edificios. Cuando el Comité Olímpico Internacional dio su visto bueno, se aprobó un plan para alojar a más de 7.500 participantes, la mayoría concentradas en Olympiakylä. Las mujeres residieron en una villa especial, a un kilómetro del estadio, separadas de los hombres.

Las tensiones políticas por la Guerra Fría provocaron que los atletas de países bajo órbita soviética no quisieran alojarse en la villa olímpica de Käpylä. Por esta razón, el Comité Organizador habilitó una segunda residencia para atletas en Otaniemi, situada en la localidad cercana de Espoo. Algunos deportistas de Portugal descansaron en el barco que les llevó hasta Helsinki.*

Mapa del mundo con los participantes en
Helsinki 1952. En azul, figuran los debutantes.


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Juegos_Ol%C3%ADmpicos_de_Helsinki_1952

JEAN SIBELIUS

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Jean Sibelius (nacido el 8 de diciembre de 1865 en Hämeenlinna, falleció el 20 de septiembre de 1957 en Ainola, su casa en Järvenpää) es el más conocido y más respetado compositor finlandés de todos los tiempos.

Sibelius nació en Hämeenlinna (en sueco Tavastehus), perteneciente entonces al Gran Ducado de Finlandia de Rusia. Era hijo de un doctor rural. Si bien su familia lo llamaba Janne, durante sus años estudiantiles comenzó a usar Jean, una forma francesa de su nombre original, permaneciendo así hasta el presente.
Sibélius_as_a_schoolboySibelius hacia 1880.

Pese a que su familia hablaba sueco, decidió enviarlo a una escuela de habla finlandesa, contra lo que podía esperarse en el contexto impuesto por el movimiento Fennoman, por lo que Sibelius asistió al Liceo Normal de Hämeenlinna entre 1876 y 1885. El nacionalismo romántico sería un elemento crucial en la producción artística de Sibelius.
a3829807cdbe49e9d7bd7319ccf36a35 Pocos compositores fueron capaces de capturar en la música los mitos, la historia y la belleza natural de su país de origen como Sibelius lo hizo. Sus trabajos más aclamados son los siete sinfonías, poemas de tono y el concierto para violín.
Sibelius fue el hijo de un médico municipal, Christian Gustaf Sibelius, y su esposa Maria Charlotta Borg. Originalmente bautizado Johan Christian Julius, joven Sibelius pronto recibió el nombre de mascota “Janne” después de fallecido el hermano del Dr. Sibelius, el capitán mercante Johan “Janne” Sibelius.

Sibelius_family_trioEn sus años de estudiante, Sibelius comenzó a utilizar las viejas tarjetas de llamadas de Johan Sibelius, que se encuentran entre los papeles de su difunto tío. Su tio Janne usaba su nombre en francés, como era la moda en el momento, y así es como Johan Christian Julius “Janne” Sibelius fue conocido como Jean Sibelius para el resto de sus dias.
Se matriculó en Derecho en 1885 en la Universidad Imperial de Alexander de Finlandia en Helsinki, pero sólo podía concentrarse en la música, asi que dejó la escuela de derecho después de un año.
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A partir de 1885-1889, estudió música en diversas instituciones en Helsinki, incluyendo el Instituto de Música de Helsinki – Hoy Academia Sibelius – en virtud de Martin Wegelius. Continuó sus estudios en la próxima década, por primera vez en Berlín (1889-1890) y luego en Viena (1890-1891).
En Finlandia, se convirtió en parte de la ola de artistas Fennoman cuyas filas se incluye célebres escritores y pintores como Akseli Gallen-Kallela, Pekka Halonen, Eero Järnefelt, Arvid Järnefelt, Eino Leino, Robert Kajanus, Juhani Aho y Eero Erkko. Varios de estos artistas decidieron formar una comunidad alrededor del Lago Tuusula cerca de Helsinki.
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Sibelius tenía una relación particularmente estrecha con la Järnefelts, y más tarde se casó con Aino, la hermana de Eero y Arvid. En 1890 el escritor finlandés Juhani Aho despertó el enojo de Sibelius con la publicación de “Yskin” (“Solo“), novela autobiográfica e historia de amor donde el autor retrataba su pasión por Aino, cuando ella ya estaba comprometida con Sibelius. Posteriormente Sibelius olvidaría gradualmente el episodio, él y Aho serían amigos cercanos en la vejez.
Jean y Aino tuvieron seis hijas: Eva, Ruth, Kirsti-Maria (que murió de fiebre tifoidea cuando tenia 1 año), Katarina, Margareta y Heidi.
Después de su regreso a Finlandia en 1891, Sibelius continuó escribiendo la Sinfonía Kullervo, que había comenzado en Viena. Estrenado en 1892, el Kullervo fue uno de los grandes éxitos de la carrera de Sibelius.
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Aino la esposa de Sibelius con Eva , 1º hija en 1893

 


Durante el período de la opresión rusa, Sibelius se convirtió en uno de los símbolos de la lucha nacional. obras patrióticas tales como Finlandia y el Cantar de los atenienses levantaron espíritus finlandeses durante esos tiempos difíciles.  Elperiodo Nacional-romántico de Sibelius terminó con la Sinfonía No. 1 (1899).
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En 1904, se completó la nueva casa de Jean y Aino Sibelius. Construido por el Lago Tuusula, la casa era llamada Ainola, “la casa de Aino”. Una vida social en horas de la noche activas en restaurantes de Helsinki habían comenzado afectan a la vida familiar de Sibelius y su trabajo como compositor.

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photo_maria_sibelius“En Helsinki, la canción dentro de mí murió”, declaró más tarde Sibelius. Ainola proporcionó a Sibelius el entorno de
trabajo perfecto para el resto de su vida. En los primeros años de adolescencia del siglo, Sibelius realizó varios viajes de conciertos a Gotemburgo, Riga, Copenhague, Berlín y otras ciudades; como resultado de estos viajes, su reputación internacional comenzó a crecer. La Gran Guerra de 1914-1918 trajo tiempos difíciles para Sibelius, tanto mental y materialmente.
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Con el fin de asegurarse ingresos, tuvo que componer pequeñas obras – canciones, piezas para piano y composiciones para violín y piano. La ruptura creativa de 1920-1922 fue seguido por las sinfonías. Pero continuó actuando en el extranjero y completó su Sinfonía No. 6 (1923) y la Sinfonía No. 7 (1924).photo_js_desk
Música fúnebre para op órgano. 111b (1931), que Sibelius compuso para el funeral de su amigo Akseli Gallen-Kallela, generalmente se consideró su última obra pública. Aunque Sibelius continuó trabajando en su sinfonía octava hasta 1943. Pero se destruyo este y otros trabajos en una gran hoguera en Ainola en finales de 1940.

11064166793_3609b74058_bHacia el final de la década de 1940 Sibelius mostró que “el silencio de Ainola” no era tan tranquilo, ya que se ponia a pensar. Durante una sola noche en 1946 compuso la Masones, dos nuevos temas de la música ritual, Veljesvirsi y el himno Alabanza. En 1948, hizo correcciones, estas canciones, y una serie de otros números musicales masónicos, listo para imprimir.
JS_lukeeAino-Sibelius-Oleg-Kagan-1965Aino hablando de Sibelius ya en sus últimos años

Sibelius se mostró satisfecho con la situación general. “Es maravilloso que se consigue durante la vida”, dijo en una entrevista en 1947. “Hay mucha gente que nunca se llega a saber lo que se valora su arte”. Además, Aino dijo: “En los últimos 20 años he intentado mejorar su vida, y especialmente alrededor del 15 años antes del final que fuera todo suave “, recordó más tarde. la única molestia era la tendencia del compositor a exagerar la más mínima críticas negativas y otras manchas en la reputación del compositor. la tendencia en vano de luto le controla y agobiaba por las dos partes relacionadas.
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Sibelius comenzó a hablar de su avanzada edad hasta 1948, y para explicar la negativa de varias invitaciones a eventos en el extranjero. Su secretario privado Santeri Levas considera los años de jubilación del compositor a la edad de 82 años honorables.
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En el mismo año Sibelius dio a su único radiohaastattelunsa. Sibelius dijo a la Compañía Finlandesa de Radiodifusión Kalevi en una entrevista donde engrandecía a los bosques. “Aquí en Ainola el silencio habla”, dijo Sibelius jyhkeästi. La entrevista transmite la capacidad de un Sibelius respondiendo brevemente, sin proporcionar ninguna información adicional.
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Hizo apariciones semi-públicas en el 85 cumpleaños del compositor en Ainola en diciembre de 1950. Räiskivät en especial el Presidente de la República J. K. Paasikivi visitó al compositor. La visita se produjo mucho después de que dos de sus hijas Hämeenlinna se graduaran de secundaria, con recuerdos de los profesores y compañeros de la clase en la década de 1880.


sibelius_ja_eugen_ormandy_130651Jean Sibelius se reunió con Eugen Ormandy
en Ainola en junio de 1951 (en la foto) y de nuevo en 1955.


Para celebrar, Olin Downes escribió un artículo del New York Times. Downes tenía a Sibelius como gran el compositor de1 1900 neoklassistina y lo coloca una vez más pilkkaamiensa como “modernista” y “intelectual” . El artículo, por supuesto, sólo alimentó la rabia de los enemigos Downes. Sibelius fue gracias a los escritos del compositor de arquetipo conservador.
 

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En 1955, Sibelius trabajó con Yehudi Menuhin, la Orquesta de Filadelfia y  el director de orquesta Eugene Ormandy. En diciembre del mismo año, secelebró el 90 aniversario dentro de la familia.

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Los últimos años Sibelius gozaba de buena salud, leia, caminaba, miraba por la naturaleza y siguió a través del mundo de la radio y, especialmente, eventos de música,” escribió Jalas. “Tenia contacto con el mundo exterior para a saludar a los parientes que venian averlo y huéspedes, que rara vez recibia.

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El secretario privado Santeri Levas escribió “Parece que el último año de su vida el maestro ya no era el mismo. Se sentaba en su silla, una gran cantidad de libros en una esquina. En invierno no se movió en absoluto, salia al aire libre en el verano y sólo con buen tiempo “.
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Componiendo el compositor ya hablaba con su secretaria. Compuso la Octava Sinfonía, tragedia había terminado en la sumisión. La familia aún tenía que estar alerta por que las críticas negativase incluso pequeñas manchas de la reputación del mundo, que recibió el compositor y lo deprimió. 

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Sibelius murió de una hemorragia cerebral a la edad de 91 el 20 de septiembre de 1957 en Ainola. Después de la ceremonia conmemorativa en la catedral de Helsinki, el ataúd de Sibelius fue llevado a Ainola y enterrado en el jardín donde descansa hoy.

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PEJE03 19610910 JÄRVENPÄÄ, FINLAND: Russian-born composer Igor Stravinsky lays flowers on Finnish composer Jean Sibelius's grave at Sibelius's home, Ainola, in Järvenpää, Finland, on September 10, 1961. LEHTIKUVA / PERTTI JENYTIN /rl
El compositor de origen ruso Igor Stravinsky deposita flores en la tumba de compositor finlandés Jean Sibelius en la casa de Sibelius , Ainola , en Järvenpää , Finlandia , el 10 de septiembre de 1961.

Los dolientes se alinearon en las calles y carreteras de todo el camino desde el centro de Helsinki de la ciudad de Järvenpää.

kiinnostava_ainola_1Aino vivió allí los siguientes doce años, hasta su muerte el 8 de junio de 1969, y fue sepultada junto a su esposo. En 1972, los hijos sobrevivientes de Sibelius vendieron Ainola al estado de Finlandia. En 1974, el Ministerio de Educación y la Sociedad Sibelius abrieron allí un museo.
Sibelius-House _DSC4645_1IMG_2414*Gracias a google por las fotografias.

PAPA JULIO II

PAPA JULIO II

Tal día como hoy hace 510 años el Papa Julio II coloca la primera piedra de lo que será la nueva Basílica de San Pedro en Roma. Se dará por finalizada su construcción el 18 de noviembre de 1626.

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La Oficina Filatélica y Numismática dedicará un número especial de la moneda para conmemorar el 500 aniversario de la muerte del papa Julio II ( Giuliano della Rovere ) y la elección de León X ( Giovanni de Medici ) . El Papa Julio II trabajó en el marco del delicado equilibrio político de su tiempo, la creación de alianzas con una u otra potencia europea en un esfuerzo por ampliar la influencia política de los Estados Pontificios. Julio II fue un gran mecenas que trajo a Roma algunos de los mejores artistas de todos los tiempos , como Miguel Ángel , Rafael y Bramante . Su ambicioso proyecto urbanístico , que tenía como objetivo redefinir el perfil de Roma para reflejar la gloria de su pasado imperial, quedó sin terminar en el momento en que murió. El Papa León X , hijo de Lorenzo el florentino ciento Magnifi , se esforzó en mostrar la pompa y el esplendor de la gran familia de los Medici. Además de los numerosos proyectos urbanos llevados a la conclusión en su caso, apuntó a que la ciudad eterna en el centro cultural de la cristiandad. Reformó la universidad, recoge manuscritos, libros y obras de arte de la antigüedad clásica , y fue sede de los eruditos de la corte papal , como Bembo , Guicciardini y Erasmo de Rotterdam. Él fue más diplomático en asuntos de política exterior que su predecesor , y que llevó a cabo una profunda modernización del aparato del Estado . Las dos grandes
Papas pasaron la batuta durante el 1513 año de gracia, un período de crecimiento extraordinario para la cultura y el arte italiano. Ellos fueron los creadores y fuentes de inspiración para las obras de arte que hoy universalmente reconocidos como las mejores obras maestras y testimonios vivos de la fe en Dios.


152898-750-1000La figura de Julio II, guerrero, político, estratega, maquinador, absolutista y maquiavélico se asemeja más a la de un monarca de su tiempo que a la del líder de una religión. Enemigo implacable de los Borgia, había contemplado impotente cómo Alejandro y César vaciaban el patrimonio de los Estados Pontificios y se apropiaban de sus territorios a título personal. Dedicaría grandes esfuerzos a lo largo de su pontificado a recuperar para la Iglesia los feudos de que había sido despojada, intentando unificar toda Italia bajo la dirección del Vaticano. Durante su pontificado se creó además la Guardia Suiza Pontificia.


Julio II

La lucha contra los Borgia
hemis_713915_1600x2000Cesar Borgia

Sin el respaldo de Alejandro VI, el conglomerado de ciudades que César Borgia había sometido a su obediencia se desmoronó. Algunas retornaron a sus antiguos regidores mientras que otras cayeron en la órbita de la República Veneciana. Dos ciudades pertenecientes a la región de la Romaña (que había sido ocupado anteriormente por Cesar Borgia), Perusa y Bolonia, bajo el mandato de la familia de Gian Paolo Baglioni y de los Bentivoglio respectivamente, rechazaban la soberanía papal. Julio II en persona condujo contra ellas los ejércitos eclesiásticos. En septiembre de 1506 capitulaba Perusa; Bolonia fue reducida por las armas dos meses después, dado que la excomunión de Giovanni Bentivoglio, previa al ataque, no había dado resultado.

El ataque a Venecia

245px-Louis_XII_de_FranceLuis XII

Francia acababa de perder en favor de España todas sus opciones al reino de Nápoles. Luis XII deseaba desquitarse de su afrenta italiana y sucumbió fácilmente a las propuestas del pontífice que le sugirió la posibilidad de conseguir en Venecia lo que la fortuna le había negado en Nápoles. Para convencer al emperador Maximiliano empleó el señuelo de que Padua, Treviso y otras ciudades del Véneto habían sido durante largo tiempo germánicas. También logró comprometer a España, Hungría, Saboya, Florencia y Mantua. Con estos estados se formó la Liga de Cambrai en diciembre de 1508; su objetivo: desintegrar la república de Venecia. Si algún papa tuvo meridianamente claro que se consigue más por las armas que con los anatemas, ese fue Julio II; no obstante, seguramente por lo arraigado de la costumbre secular, hasta él mismo utilizó la excomunión y el interdicto contra Venecia antes de castigarla militarmente. La «Serenísima» no pudo resistir el embate de los ejércitos coaligados y fue derrotada en la batalla de Agnadello en mayo de 1509.

Este descalabro no supuso el fin de Venecia, ni era eso lo que al Papa le convenía. Vencida y dócil, la república se avino a restituir a la Iglesia los territorios romañolos substraídos. Satisfecho con ello, Julio II firmó la paz con los venecianos, les levantó las penas divinas que les había impuesto y se retiró de la liga que él mismo había coordinado. Con el abandono de su promotor y por efecto de la experta diplomacia veneciana que sembró la disensión entre sus componentes, la coalición suscrita en Cambrai feneció en 1510.

Guerra contra los franceses

Julio II se encontraba ahora ante la tarea de expulsar a los franceses de Génova y Milán, después de haberlos utilizado en el enfrentamiento con Venecia. Su consigna de «¡fuera los bárbaros!» penetró profundamente en el ánimo de los italianos. Julio sabía que sin la cooperación de alguna potencia europea ellos solos no serían capaces de enfrentarse con éxito al poderoso Luis XII. Sirviéndose una vez más de la diplomacia organizó la Liga Santa, en la que se integrarían los Estados Pontificios, Venecia y España y que quedó formalmente constituida el 4 de octubre de 1511; un mes después se adhirió a ella el rey Enrique VIII de Inglaterra y algo más tarde el emperador Maximiliano y Suiza.

enrique-viii-600x310Enrique VIII

Mientras se gestionaban aquellos pactos de las naciones europeas contra Francia, el papa había realizado por su cuenta acciones de patente hostilidad antifrancesa. Luis XII respondió en ambos terrenos: militarmente, realizando una incursión sobre Bolonia donde restableció a los Bentivoglio; en el plano religioso, convocando un concilio en la ciudad de Pisa bajo la supuesta pretensión de reformar las instituciones de la iglesia. El verdadero objetivo del concilio era, sin embargo, debilitar la posición de Julio II y, a ser posible, provocar su caída. La negativa de Francia a prestar obediencia al papa pudo haber supuesto un nuevo cisma de no haber fracasado dicho concilio.

El conflicto entre Francia y el Papa desembocó en guerra abierta. Luis XII se dirigió a Italia con un gran ejército dispuesto a aplastar a las tropas coaligadasen 1512 sólo cosecharon derrotas: hubieron de abandonar Milán, perdieron las ciudades de Bolonia, Parma, Reggio y Piacenza, las tropas suizas los vencían en Novara.

Conquista de Navarra y muerte

Julio II tuvo la oportunidad de agradecer a Fernando el Católico la ayuda prestada para expulsar de Italia a los franceses. Su identificación con la causa francesa en el enfrentamiento con el pontificado y la alianza que mantuvieron con Luis XII fue una excusa para que Fernando, Regente de Castilla, obtuviera del papa una bula, la Pastor Ille Caelestis. En esta bula se excomulgaba de forma genérica a los aliados del rey francés. Posteriormente en una segunda bula, en 1513, la casa de Albret quedaba desposeída de su reino. Fernando se apresuró invadir con un ejército castellano al mando de Fadrique Álvarez de Toledo, II duque de Alba, que ocupó el Reino de Navarra en dos meses. En 1515 por acuerdo de las Cortes de Burgos, sin navarros presentes, quedó incorporada a Castilla. Finalmente, ya con Carlos I, se renunció a la Baja Navarra debido a que este territorio no se consiguió controlar por España.

catolico--644x362Fernándo el Católico

Buscaba una salida al círculo vicioso en el que se veía inmerso desde que pretendió imponer su autoridad sobre Venecia, y que le arrastraba a caer en manos de una potencia extranjera para librarse de otra a la que se había entregado previamente por la misma razón. Julio II murió en febrero de 1513 sin haber podido solucionar este problema.

Las profecías de San Malaquías se refieren a este papa como Fructus Jovis juvabit (El fruto de Júpiter agradará), cita que hace referencia a que en su escudo de armas aparece un roble, el árbol de Júpiter.

Mecenazgo

El “Papa guerrero” fue también un gran mecenas de las artes. Protegió, entre otros, a Rafael a quien encargó pintar su primer retrato y Miguel Ángel, a quien encargó pintar el techo de la Capilla Sixtina. La construcción de la actual Basílica de San Pedro se inició el 18 de abril de 1506, bajo su impulso, siendo terminada en 1626, con Paulo V. Uno de los proyectos artísticos más queridos del Papa fue el de su propio sepulcro, que encargó a Miguel Ángel. Tras años trabajando en el proyecto, y varios proyectos y variaciones, el genial escultor solo pudo terminar enteramente una escultura, representando a Moisés. La sepultura definitiva del Papa, terminada por los discípulos del florentino, se erigió finalmente en la iglesia romana de San Pedro ad víncula.*

CapillaSixtinaCapilla Sixtina


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Julio_II

EUROS ANDORRA

ANDORRA1En febrero de 2016, dos años tarde… han sido emitidas por parte de la FNMT los 2 euros conmemorativos de este año en Andorra. La moneda de 2 euros conmemorativos de 2014 del 20 Aniversario del ingreso de Andorra en el Consejo de Europa.

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EL GRECO

EL GRECO

2 EUROS GRECIA 2014 – 400 AÑOS DEL FALLECIMIENTO DE DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS

Tal día como hoy hace 402 años, fallece en Toledo (España) Doménikos Theotokópoulos, pintor escultor y arquitecto del Renacimiento, conocido universalmente como “El Greco”, por su origen griego (nació en la isla de Creta). Realizó su trabajo, de estilo muy personal, principalmente en España.

En 2014 se conmemora el IV Centenario de la muerte de Domenicos Theotocopoulos, El Greco (1541-1614)

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b7440575437eea9e5fc00702061e7d43MONEDA 2 EUROS COLOR GRECIA 2014 – EL GRECO – 400 AÑOS DEL FALLECIMIENTO DE DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS kreikka-2014-2-euro-el-greco-unc-2-700x700MONEDA 2 EUROS GRECIA 2014 – EL GRECO – 400 AÑOS DEL FALLECIMIENTO DE DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS – Tirada 750000

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Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541-Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego»), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

1024px-El_Greco_-_Portrait_of_a_Man_-_WGA10554Retrato de un caballero anciano, considerado autorretrato (1595–1600)

Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.

Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

1024px-El_Greco_-_The_Burial_of_the_Count_of_OrgazEl entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo), su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo xvi; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.

Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.

La cuestión de hasta qué punto, en su profunda transformación toledana, el Greco recurrió a su experiencia anterior como pintor de iconos bizantinos se ha debatido desde comienzos del siglo xx. Algunos historiadores del arte han afirmado que la transformación del Greco se hundía firmemente en la tradición bizantina y que sus características más individuales derivan directamente del arte de sus ancestros, mientras que otros han argumentado que el arte bizantino no puede relacionarse con la obra tardía del Greco.*


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/El_Greco

1º JUEGOS OLÍMPICOS MODERNOS

1º JUEGOS OLÍMPICOS MODERNOS

Tal día como hoy hace 120 años en Atenas (Grecia) se inauguran los I Juegos Olímpicos de la Era Moderna, 1.500 años después de su prohibición por el emperador romano Teodosio I. Competirán en ellos 13 países y 295 atletas, 197 de los cuales serán griegos. Estas olimpiadas se clausurarán el día 15 de abril.

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La parte interior de la moneda representa, de arriba abajo, un personaje estilizado, los cinco anillos olímpicos y la inscripción «TEAM BELGIUM». A la izquierda figura el año 2016. A la derecha, la indicación de la nacionalidad «BE» aparece entre la marca monetaria de Bruselas (una cabeza con casco del arcángel Miguel) y la marca del «comisario de la moneda».


*Los Juegos Olímpicos de Atenas 1896, conocidos oficialmente como Juegos de la I Olimpiada, se celebraron en Atenas, Grecia, entre el 6 y el 15 de abril de 1896. Participaron 241 atletas masculinos —no hubo participación femenina— de 14 países, que compitieron en 43 competiciones de 9 deportes. Fueron los primeros Juegos Olímpicos de la Era Moderna.

Athens_1896_report_coverI Juegos Olímpicos de Verano 1896

A pesar de los muchos obstáculos y reveses, los Juegos Olímpicos de 1896 fueron reconocidos como un gran éxito. Tuvieron la mayor participación internacional en un evento deportivo hasta esa fecha. El Estadio Panathinaikó, que fue el primer gran estadio del mundo moderno, vio rebasada su capacidad con la multitud de personas más grande que se había reunido jamás para ver un evento deportivo. Lo más sobresaliente para los griegos fue la victoria de su compatriota Spiridon Louis en la maratón. El competidor más exitoso fue el luchador y gimnasta alemán Carl Schuhmann, que ganó cuatro medallas de oro.

Desde entonces, cada cuatro años, deportistas de todos los países se reúnen para competir entre ellos. Sólo las grandes guerras del siglo XX han impedido la realización de los Juegos Olímpicos, pero al culminar éstas, se ha continuado con la tradición. Grecia organizó nuevamente los Juegos Olímpicos en 2004.

La noticia de que los Juegos Olímpicos iban a regresar a Grecia fue recibida favorablemente por el público, los medios y la familia real griega. Según Coubertin, «el príncipe heredero Constantino recibió con gran agrado que los Juegos se inaugurasen en Atenas».

Sin embargo, Grecia tenía problemas financieros y había mucha inestabilidad política. El puesto de Primer Ministro había sido alternado entre Charilaos Trikoupis y Theodoros Deligiannis frecuentemente en los últimos años del siglo XIX. Debido a esta inestabilidad política y económica, tanto el primer ministro Trikoupis como Stephanos Dragumis creían que Grecia no podría realizar el evento. A finales de 1894, el comité organizador presentó un informe que afirmaba que el coste sería tres veces mayor a lo estimado originalmente por Coubertin, concluyendo que los Juegos no se realizarían. El costo total de los Juegos era de 3 740 000 dracmas, aproximadamente 448 000 dólares estadounidenses.

 Demetrius Vikelas, el primer presidente del COI.

Con la perspectiva de revivir las Olimpiadas muy en duda, Coubertin y Vikelas iniciaron una campaña para mantener el Movimiento Olímpico con vida. Sus esfuerzos culminaron el 7 de enero de 1894, cuando Vikelas anunció que el príncipe Constantino asumiría la presidencia del Comité Organizador. Su primera responsabilidad fue la de obtener los fondos necesarios para realizar los Juegos confiando en que el patriotismo del pueblo griego los motivara a financiar el evento. Vikelas y los demás griegos hicieron casi todo el trabajo, en el que Coubertin tuvo muy poca participación.El entusiasmo de Constantino encendió una ola de contribuciones del público griego y los primeros esfuerzos consiguieron 330 000 dracmas. Se emitió una edición especial de sellos postales, consiguiendo 400 000 dracmas en ventas, y con la venta de boletos se obtuvieron 200 000 dracmas adicionales. Y a petición de Constantino, el hombre de negocios griego George Averoff accedió a pagar la restauración del Panathinaiko, donando cerca de un millón de dracmas para este proyecto. Como tributo a su generosidad, fue construida una estatua de Averoff, presentada el 5 de abril de 1896 en las afueras del estadio, dónde aún continúa.

Deportes en los Juegos Olímpicos de Atenas 1896
Atletismo | Ciclismo | Esgrima | Gimnasia | Halterofilia | Lucha | Natación | Tenis | Tiro

Ceremonia de Apertura en el Estadio Panathinaikó.

En el I congreso del Comité Olímpico Internacional de 1894 en la Sorbona, salió elegido como primer presidente el comerciante griego Demetrius Vikelas, que dos años más tarde en 1896, sería sustituido por el Barón Coubertin. Se sugirieron una gran cantidad de deportes para el programa de Atenas, y como resultado el primer anuncio oficial acerca de los eventos que se desarrollarían incluyó deportes como fútbol y críquet. Estos planes no se concretaron y no todos los deportes anunciados inicialmente estuvieron en la lista final, tan solo once deportes fueron incluidos en el programa de los juegos, con la disputa de 43 pruebas, y el remo y la vela fueron incluidos pero tuvieron que ser cancelados debido a los fuertes vientos el día de la competición.

Durante los eventos de la primera olimpiada se entregó una medalla de plata, una rama de olivo y un diploma a los ganadores del primer puesto en cada evento. Para el segundo lugar se entregó una medalla de cobre, una rama de laurel y un diploma.

En la medalla se observa la cara del dios Zeus sosteniendo en su mano un globo sobre el cual se posa la victoria con alas. En la parte inferior se lee en griego la palabra «Olympia». En el reverso se muestra la acrópolis y el texto en griego: Juegos Olímpicos Internacionales en Atenas 1896.*

Medalla de plata de los Juegos.


*Datos históricos compartidos de la Wikipedia:
https://es.wikipedia.org/wiki/Juegos_Ol%C3%ADmpicos_de_Atenas_1896