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Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi

“Tal día como hoy hace 203 años, nace en Roncole (Italia), el italiano que será compositor de importantes y grandiosas óperas, Giuseppe Verdi.”

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Giuseppe Verdi

*Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Roncole, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor de ópera italiano.
Verdi compuso ópera durante toda su vida y perfeccionó su arte con la influencia de Rossini, Bellini y Donizetti con el uso de las formas de la grand opéra francesa, para desembocar en la creación de sus obras maestras shakespearianas, Otello y Falstaff, en las que se apuntan algunas de las innovaciones de Wagner en la forma de la ópera. A lo largo de su vida, su originalidad y fecundidad no tuvieron rival.
Verdi

Nació en el pueblo de Roncole, cerca de Parma, entonces bajo la dominación napoleónica, el mismo año que nacería Richard Wagner. Carlo y Luigia Verdi, padres del futuro gran músico, eran más bien pobres: regentaban una pequeña posada que tenía anexa una tienda de comestibles; para aprovisionarse, acudían a un rico mayorista de Busseto, Antonio Barezzi, que era también el alma de la cultura musical ciudadana por su cargo de presidente de la Sociedad Filarmónica local.

Carlo Verdi envió a su hijo que estudiara en la casa parroquial, donde recibió las enseñanzas del reverendo Pietro Baistrocchi, que, naturalmente, junto a las primeras letras, le hizo aprender los fundamentos de la música en el órgano de la iglesia. Verdi asimilaba con tal rapidez las enseñanzas del padre Baistrocchi, que llegó al extremo de sustituirlo, cada vez más a menudo, en el puesto de organista, dedicación que en la iglesia alternaba con la de monaguillo. En 1822, comenzó sus estudios musicales con Ferdinando Provesi, [2] que ejercía los cargos de organista y maestro de capilla en la catedral, además del de maestro municipal de música en la Sociedad Filarmónica, la institución presidida por Barezzi y que constituía, con relación al coro de la iglesia, la vertiente laico de la vida musical de Busseto. El gran Provesi ya nada tenía que enseñarle y Barezzi, firmemente convencido del futuro de aquel joven encaminado a convertirse en su yerno, obtuvo para él una beca del Monte de Piedad local, que le permitía seguir estudios en Milán.
Primeros días en Milán
Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

El único pasatiempo que tenía Verdi era asistir a los espectáculos de La Scala ya los ensayos y conciertos de la Sociedad Filarmónica. Durante uno de estos ensayos -se estaba preparando el difícil oratorio La creación, de Haydn- faltaron los tres directores titulares y Verdi tuvo que sustituirlos. Las sonrisas de suficiencia con que los nobles músicos iniciaron el ensayo se mudaron muy pronto en estima y, finalmente, en profunda admiración, hasta el extremo que le rogaron que dirige personalmente el concierto, en el que obtuvo un éxito halagüeño. Massini le propuso la composición de una ópera y le suministró también el libreto, ya impreso y titulado Rochester, del que era autor un tal Antonio Piazza.

Margherita Barezzi

Con la muerte de Ferdinando Provesi, Verdi vuelve a Busseto, donde permaneció durante tres años, de 1836 a 1839. Apenas obtenido el cargo, se casó con Margherita y formó un hogar, en la que al cabo de un año nació Virginia, seguida al poco por un segundo hijo, Icilio. Tras dimitir a Busseto, volvió en febrero de 1839, apoyado una vez más por la generosidad financiera del suegro.

Los jovencísimos esposos, que el año anterior, estando aún en Busseto, habían perdido ya la pequeña Virginia, se les moría, también el 22 de octubre, su segundo hijo, Icilio.

Por otra parte, el 17 de noviembre de 1839 Verdi estrena su ópera Oberto, Conte di San Bonifacio, con el libreto y el título modificados en La Scala, con un éxito «no grandioso, pero bueno”, según escribió el mismo compositor. Bartolomeo Merelli, que regentaba el teatro en aquellos momentos, le encargó a Verdi inmediatamente una segunda ópera, cómica esta vez, por exigencias de equilibrio de géneros en la programación. Como no había tiempo para procurarse un libreto original, se recurrió entonces, algo habitual en aquellos tiempos, en un librito escrito hacía más de veinte años por Felice Romani, autor de los textos de casi todas las óperas de Bellini. La obra fue Un Giorno di Regno (Un día de reinado), con un texto muy mediocre, no tanto por la calidad intrínseca de los versos, como por la soporífera reiteración de la trama.

Placa conmemorativa del 150 aniversario
de la muerte de Margherita en Milán

Margherita, que tras la muerte de Icilio, tan próxima a la de la primogénita, no se había recuperado, enfermó de encefalitis y murió a los pocos días, el 18 de junio. Verdi se sintió aniquilado: volvió a Busseto y durante todo el verano estuvo inmerso en el dolor. A finales de esta estación, sin embargo, acosado por las exhortaciones de Merelli, volvió a Milán y reanudó su actividad, buscando en el trabajo un camino de evasión.

En estas condiciones era muy difícil componer la opera buffa que se estrenó el 5 de septiembre de 1840. El tema era trillado, la música era más bien mediocre y la interpretación fue pésima.
Verdi se refugia en Busseto. Pero quien parte de una pequeña comarca para volver derrotado, no puede esperar encontrar el reposo y la serenidad de un cariñoso consuelo. Imposible quedarse. Verdi marchó a Génova para retocar la partitura de su Oberto, que iba a representarse en el transcurso del otoño. En retocarla, la empeoró considerablemente, aceptando entre otras cosas secundar el gusto más reaccionario del público. Pero la ópera sólo obtuvo un moderado éxito. Como no podía seguir soportando la atmósfera opresiva y burlona de Busseto, retornó a Milán, que representaba para él el único lugar donde podía refugiarse en el anonimato más absoluto.


na noche de invierno, se encontró casualmente con Merelli, que se dirigía al teatro. Caían grandes copos de nieve y él, cogiéndolo del brazo, lo invitó a acompañarlo en el camerino de La Scala. Mientras iban caminando, le explicó que estaba preocupado por la nueva ópera que tenía que ofrecer y que había encargado a Nicolai, pero este no estaba contento con el libreto. Se trataba de Nabucco, con versos de Temistocle Solera. Verdi ante las lamentaciones financieras de Merelli, cerró la cuestión pagando de su propio bolsillo los nuevos contratados. Lo que, en cambio, no pudo evitar fue el uso de viejos decorados y vestidos, provenientes de las óperas más dispares y que se readaptar y restaurar para aquella ocasión. Durante los ensayos, el teatro caminaba revolucionado por una música nueva. El carácter de la partitura era tan insólito y desconocido, el estilo tan rápido y nuevo, que el estupor era general; cantantes, coro y orquesta, al escuchar esa música, mostraban un entusiasmo extraordinario. Y aún hay más: era imposible trabajar en el teatro, fuera del escenario, ya que los operarios, pintores, iluminadores y tramoyistas, electrizados por lo que escuchaban, dejaban sus tareas para asistir boquiabiertas a todo lo que se ponía en escena.


Imagen de una representación moderna de Nabucco

Nabucco se estrenó en La Scala el 9 de marzo de 1842, con la soprano Giuseppina Strepponi, en el papel de Abigaille. Strepponi se convirtió en el amante de Verdi, y pasado mucho tiempo desde la muerte de su primera esposa, en 1859, se casó con ella. La velada tuvo un crescendo de entusiasmo, llegando a extremos delirantes al término del «Va, pensiero», cuando todo el teatro se levantó de golpe y, pasados ​​unos interminables minutos de aplausos, se concedió el bis.

Fue uno de los más fervientes casos de total identificación entre público y ópera que se recuerdan en la historia de la ópera. En el mundo de la lírica, dominado hasta entonces por las melodías astrales, lánguidas y dulcísimas de Bellini y Donizetti, irrumpía una música potente, a veces brutal e incluso rudo, pero hecha siempre de carne y sangre, con la vitalidad y la fuerza de un río en plenitud. Una música que sintonizaba completamente con el estado de ánimo de un público cada vez más intolerante con la dominación austríaca. Sólo se pudieron dar ocho funciones de Nabucco durante el mes de marzo debido a exigencias de programación, pero cuando esta ópera volvió a estar en cartel en verano, se representó durante 57 noches, cifra fabulosa incluso en aquellos años.

Ahora, la alta sociedad de Milán competía para tenerlo en sus salones. En 1842, nacieron las relaciones de Verdi con la condesa Appiani, con la noble dama Morosini y, sobre todo, con la condesa Clara Maffei o Clarina, en el salón de la cual se agrupaban los mejores cerebros de la Lombardía, atraídos por el espíritu, gracia y patriotismo de Clarina, así como por la amabilidad y cultura de su marido, Andrea Maffei, que estaba completando la primera traducción al italiano de Shakespeare y de Schiller.

Cuando Clarina, pocos años después, se separó de su marido, iniciando su convivencia con el poeta y patriota Carlo Tenca, Verdi continuó manteniendo la amistad de ambos, pero fue Clarina la que ocupó siempre un lugar destacado en el restringido número de sus afectos. Este sentimiento de amistad de Verdi se vería más que correspondido por ferviente carácter de esta indómita criatura de aspecto benigno y dulce, que poco a poco transformaría su salón en una auténtica fragua irredentista, lugar de encuentro de los espíritus más animosos y batalladores de la ciudad, que allí prepararon la gran insurrección de 1848. Verdi era una de las figuras centrales de ese grupo, si bien políticamente no estaba comprometido de una manera directa. Pero su música se había convertido ya en sinónimo de libertad, de lucha y de rebelión contra la dominación extranjera.

Un dels seus llibretistes: el poeta Francesco Maria Piave

La seva fama creixia, però precisament per això li era més necessari que mai ser present en tots els teatres importants, escrivint ininterrompudament per consolidar la seva talla artística. Va estrenar un gran nombre d’òperes en la dècada posterior a 1843, un període que el mateix Verdi va anomenar els anys de galeres. El 9 de març de 1844, any que va seguir el triomf d’I Lombardi es va posar en escena al teatre La Fenice de Venècia la seva òpera Ernani, que va assenyalar l’encontre entre Verdi i l’exseminarista i poeta Francesco Maria Piave, destinat a convertir-se en l’autor de fins a deu llibrets de Verdi, amb qui va establir una relació d’íntima i fidel amistat.
Así, al año siguiente de Nabucco, el 11 de febrero de 1843, Verdi puso en escena I Lombardi alla prima crociata (Los lombardos en la primera cruzada), que mantenía el espíritu de la ópera precedente, suscitando auténticos delirios por su tema, que sacaba descubiertamente a escena el pueblo lombardo. Temistocle Solera había compuesto el libro inspirándose en un poema de Tommaso Grossi, otro habitual del salón de los Maffei. También en esta obra el éxito cuajó en el entorno de un corazón, O Signor che del Tetto natio (Oh, señor que del solar nativo), que los lombardos cruzados entonan en el tercer acto. Junto con el Va, pensiero, pronto este corazón quedó elegido como símbolo patriótico y se cantaba por las calles como reto intimidante hacia las tropas austriacas.

Verdi en SantAgata , 1898 de izquierda a derecha Stolz , Strepponi , Campanari , Verdi , Guilio Ricordi , Giuditta Ricordi , Metlicevik .

Después de su éxito vendrían los “años de galera” como él mismo los definiría, trabajando por encargos y a ritmo de una ópera al año, de esas óperas, muy de tradición italiana, yo destacaría Macbeth, supone un primer paso enorme hacia el drama musical que Verdi deseaba, es curioso cómo se quejaba de la intérprete protagonista por no tener una voz áspera y malvada, Donizetti, Rossini y me atrevería a decir todos los compositores hasta bien entrado el siglo XX, no habrían siquiera pensado en esa caracterización total de un personaje de ópera.Desde 1847 pasa largas temporadas en Paris, conociendo bien los trabajos de Meyerbeer, Hàlevy o Gounod.
El gran paso siguiente fue, sin duda, la llamada trilogía popular Rigoletto, Trovatore y Traviata, en especial la primera.En 1848 compra Villa Sant’Agata cerca de su tierra natal, donde desde 1851 vivirá casi ininterrumpidamente preocupándose de ampliar y gestionar sus terrenos y cultivos como el campesino que llevaba dentro.
Las siguientes óperas ya se alejan cada vez más del encorsetamiento del melodrama italiano, Il Ballo, La Forza, Don Carlos o Aida, son obras maestras de su propio lenguaje teatral.Verdi

Verdi pasó en París los siete meses siguientes del 1847, que constituyen uno de los momentos cruciales de su vida. Se encontró con la soprano Giuseppina Strepponi; la relación entre ambos, los comienzos de la que se remontaban a los lejanos tiempos del Oberto y que se había profundizado durante las primeras ocho representaciones del Nabucco, se transformó en un lazo afectivo destinado a perdurar toda la vida.

Giuseppina Strepponi, segona esposa de Verdi

Giuseppina había roto las relaciones con el tenor Napoleone Moriani en 1842, y salió con el espíritu destruido y la ve seriamente dañada. A pesar de ello, empujada por las preocupaciones económicas familiares, además de las ocasionadas por el futuro de su hijo Camillino -el otro había muerto casi en nacer-, continuó cantando y había contribuido al éxito de Nabucco.

Después de la revolución fustrado y no teniendo que preocuparse ya de la censura, escribió de un tirón una ópera que es un auténtico himno patriótico y libertario: La batalla de Legnano, es decir, la batalla en la que los ejércitos de la liga Lombarda derrotaron a los del emperador Federico Barbarroja, liberando el norte de Italia de su dominación. Obviamente, tal música correspondió, dado el clima independentista que vivía Italia, un triunfo apoteósico. Con ésta, se cierra el ciclo de las óperas juveniles de Verdi.

Al final de los años de galeras, Luisa Miller (Nápoles, Teatro San Carlo, 8 de diciembre de 1849) y Stiffelio (Teatro Grande de Trieste, 16 de noviembre de 1850) marcó un momento fundamental en la evolución estilística de Verdi. Su pensamiento musical se hizo más refinado y su dramaturgia gira hacia un noble lirismo que exalta la profundización psicológico de los personajes. Verdi había alcanzado la plena madurez artística, que confirmó con los tres títulos de la considerada trilogía popular, un tríptico de obras de argumentos diversos y muy queridas por el público: Rigoletto, Il trovatore y La Traviata, tres óperas destinadas a obtener un éxito abrumador.


La seva casa a Sant’Agata

Mientras tanto, Verdi había adquirido la villa de Sant’Agata, en el municipio de Villanova sull’Arda, en la provincia de Piacenza y no demasiado lejos de Busseto. Aquí se estableció en la primavera de 1851 junto a su compañera sentimental Giuseppina Strepponi. A Sant’Agata, Verdi se dedicó con pasión a la agricultura, y cultivó sus intereses en el arte, la poesía, la economía y la política. Fue elegido consejero comunal de Villanova y consejero provincial.

Hacía ya 10 años largos que Verdi era el compositor más notable italiano y su fama crecía ininterrumpidamente por toda Europa. En 1862 se trasladó a San Petersburgo, donde se estrenó triunfalmente La forza del destino. En 1865, estaba de nuevo en París para la revisión de Macbeth y volvió dos años después, para el estreno de la que es quizás su gran ópera, Don Carlos. Sin embargo, el reconocimiento de la grandeza de esta obra, así como la de Simon Boccanegra, se debe a la crítica más reciente.

Arrigo Boito i Verdi

La vida de Giuseppe Verdi puede dividirse en dos periodos: el juvenil, relleno de tribulaciones y luchas, y el de madurez, pletórico de serenidad e inspiración. Pasó sus últimos años entre Sant’Agata y Milán. El 16 de diciembre de 1899 instituyó la Opera Pia, Casa di Riposo por y Musicisti: quería asegurar el mantenimiento de aquellos «que han dedicado la vida al arte musical» y que se encontraran en condiciones precarias. Según su voluntad, el primer huésped del asilo fue aceptado después de la muerte del compositor.

Su testamento, hecho el 14 de mayo de 1900, Verdi designó como heredera universal una prima de Busseto, Maria Verdi. Sin embargo, dejó muchos legados a diversas entidades sociales, entre las que se encontraba obviamente la Casa di Riposo para Musicisti, en el oratorio de la que fue enterrado junto a su esposa Giuseppina, el 27 de febrero de 1901 . el corazón va, pensiero fue interpretado a su funeral oficial durante el traslado del cementerio en la Casa di Riposo por Musicisti, dirigido por Arturo Toscanini y un coro de 820 cantantes. Dentro de la Casa, se cantó el Miserere de Il trovatore

Fotografia de VerdiPero le queda una obra más por hacer en 1899 se crea la fundación para la Casa Verdi

“Delle mie opere, quella che mi piace di più è la Casa che ho fatto costruire a Milano per accogliervi i vecchi artisti di canto non favoriti dalla fortuna, o che non possedettero da giovani la virtù del risparmio. Poveri e cari compagni della mia vita!”De mis trabajos, el que más me gusta es la Casa que he hecho construir en Milán para acoger a los viejos artistas de canto no favorecidos por la fortuna, o que no tenían de jóvenes la virtud del ahorro. ¡Pobres y queridos compañeros de mi vida!

Durante la Navidad de 1901, la salud de Verdi empeora, está en Milán donde suele pasar los últimos inviernos, por via Manzoni los caballos y las carrozas marchan lentos, hay paja en la calle para amortiguar el ruido de cascos y ruedas… nadie quiere molestar el reposo del maestro… Giuseppe Verdi muere la madrugada del 27 de Enero de 1901 en su habitación de siempre en el primer piso del Grand Hotel et de Milan.*Firma de Verdi


*Datos históricos compartidos de:
https://ca.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Verdi

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Enrique Granados (Lérida, 27 de julio de 1867- canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916), fue un compositor y pianista español. Es conocido por su obra pianística, especialmente por la suite Goyescas (1911), en la que basó también la ópera homónima.

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Creó la escuela de piano en Barcelona, que ha producido figuras tan relevantes como Frank Marshall y Alicia de Larrocha. Suele encuadrársele en el romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg. Murió en el naufragio de la nave Sussex, en el canal de la Mancha, al ser torpedeada por la armada alemana en el transcurso de la Primera Guerra Mundial.

El fondo personal de Enrique Granados se conserva en la Biblioteca de Cataluña y en el Museo de la Música de Barcelona.

En 1874 y afincados en Santa cruz de tenerife por el trabajo militar de su familia, su padre sufrió un grave accidente al caerse de su caballo, y las complicaciones de salud surgidas a raíz del percance llevaron a la familia a trasladarse nuevamente a la Península, esta vez a Barcelona. La familia se afincó inicialmente en el Carrer Fenosa, y posteriormente en el paseo de Grácia. Para entonces Enrique ya denotaba una clara inclinación hacia la música, que sus padres estimularon con la ayuda de un compañero de su padre, el capitán José Junqueda, quien dio al jovencísimo Granados sus primeras lecciones de piano y solfeo. El progreso de Enrique era tan rápido que sus padres buscaron enseguida la manera de proporcionar al muchacho estudios musicales más formales.

De ese modo ingresó en 1879 en la Escolanía de la Mercé, en la que empezó a recibir clases del maestro Francisco Javier Jurnet, quien después diría de Granados que había sido el alumno más brillante que había tenido nunca.1 Jurnet infundió en Granados un entusiasmo nuevo por la música y lo apoyó cuanto pudo en su deseo de superarse, organizando durante esos años varios conciertos ante audiencias importantes que diesen a conocer el talento del pequeño. Entre otros, es interesante mencionar el que ofreció ante el depuesto emperador del Brasil, Pedro II, durante el viaje que éste realizó por Europa a finales de la década de 1870.

En enero de 1886 Enrique Granados comenzó a tocar cinco horas diarias en el Café de las Delicias. El café, que fue rebautizado más tarde con el nombre de Lion d’Or, era considerado como uno de los mejores de Barcelona. Fue descrito en su grandeza al detalle por Narcís Oller en su novela La Bogería, aunque para la época en la que Granados entró a trabajar ya se había degradado y pasado de moda considerablemente. El gusto de los dueños parecía centrarse casi exclusivamente en torno a refritos operísticos recargados de efectos y florituras varias, que el joven Granados se veía incapaz de producir y a menudo de interpretar. Por estos escrúpulos artísticos o por otras razones perdió pronto su trabajo en el café.

En todo caso, además de formarse con Bériot, París le dio a Granados la oportunidad de consolidar su amistad con Albéniz, que había sido condiscípulo suyo en Barcelona, y de entablarla con los músicos franceses más representativos del momento, como Fauré, Debussy, Ravel, Dukas, el mencionado D’Indy y Saint-Saëns.https://conxitabadia.files.wordpress.com/2012/07/5-enric-granados.jpg

El 20 de abril de 1890 Granados hizo su debut oficial en el Teatre Liric de Barcelona, donde estrenó varias composiciones originales tales como Arabesca, algunas de sus Danzas Españolas y la hoy perdida Serenata Española (que no debe confundirse con la obra de Albéniz de igual título). Además, Granados interpretó obras de Saint-Saëns, Bizet, Mendelssohn, Chopin y Beethoven, junto con un sexteto que concluyó el recital con obras de Mozart y Schubert. El concierto fue un éxito rotundo que dio a Enrique Granados una gran popularidad que ya sólo iría aumentando hasta el final de su vida.

En 1891 Granados participa en la fundación de uno de los símbolos musicales más visibles de Barcelona, el Orfeó Catalá. Hacía ya tiempo que el entusiasmo por el idioma y la literatura de Cataluña, fomentado por el movimiento de mediados de siglo conocido como Renaixença, había penetrado en la vida musical, y los compositores de Barcelona se aprestaron a expresar estos sentimientos a través de nuevos arreglos de canciones populares tradicionales. Las últimas décadas del siglo vieron la aparición de diversos coros que interpretaban el repertorio popular tradicional así como las nuevas obras de los compositores catalanes, obras clásicas o una combinación de lo anterior.

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Granados debutó con la Filharmónica el 9 de noviembre de 1897 en la Sala Estela, donde tocó con Crickboom y Pablo Casals. En los siguientes siete años tocó con la ‘Societat Filharmónica en veinticinco ocasiones, a menudo con Casals y ocasionalmente estrenando en Barcelona obras procedentes de Francia, tales como la Sonata para Violín op. 75 de Saint-Saëns (1902)

El estilo de Granados es una original mezcla que recoge la gran tradición romántica de Schumann y Chopin y el impulso del nacionalismo musical, tan pujante a finales del siglo XIX.*


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Granados

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Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años»

Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual Austria, que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo de Salzburgo y un compositor con poca relevancia, aunque fue un experimentado profesor. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa de la época, de los siete hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus.

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Casa natal de Mozart, en la calle Getreidegasse n.º 9, Salzburgo.

La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música de todo el mundo.

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Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor y en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.

Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los seis, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.

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La familia Mozart durante su viaje: Leopold interpretando el violín; Wolfgang Amadeus al clavecín y Nannerl, cantando. Acuarela de Louis Carrogis Carmontelle hacia 1763.

Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como padre, tenía la obligación de cultivar. Cuando el niño iba a cumplir seis años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre «quiso compartir con el mundo el milagroso talento de su hijo…». Leopold creyó que proclamar este milagro al mundo era un deber hacia su país, su príncipe y su Dios, por lo que tenía que mostrarlo a la alta sociedad europea, ya que de otra manera él sería la criatura más ingrata.

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Wolfgang tocando el clavicordio y Thomas Linley
(de la misma edad) el violín, durante su estancia en Florencia en 1770.

El biógrafo Maynard Solomon afirma que mientras Leopold era un profesor fiel a sus hijos, existen evidencias de que Wolfgang trabajaba duramente para avanzar más allá de lo que le enseñaban.Su primera composición impresa y sus esfuerzos precoces con el violín fueron por iniciativa propia y Leopold se vio fuertemente sorprendido. Padre e hijo tenían una relación muy estrecha y estos logros de niñez hicieron llorar de alegría a Leopold más de una vez.

Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se hizo evidente. Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó música, así como el resto de asignaturas académicas.

Wolfgang01Retrato de la familia Mozart hacia 1780, obra de Johann Nepomuk della Croce. De izquierda a derecha, Nannerl, Wolfgang y Leopold. El retrato de la pared es de Anna Maria, la madre de Mozart, que falleció en 1778.

PAU CASALS

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Pau Casals, cuyo nombre completo era Pau Carles Salvador Casals i Defilló (El Vendrell, 29 de diciembre de 1876 – San Juan de Puerto Rico, 22 de octubre de 1973), a nivel internacional, es uno de los músicos españoles más destacados del siglo XX. De padre catalán y madre nacida dentro de una familia de catalanes indianos en Puerto Rico, Casals es considerado uno de los mejores violonchelistas de todos los tiempos.

pau_casalsUna de sus composiciones más célebres es el «Himno de las Naciones Unidas», conocido como el «Himno de la Paz», compuesto mientras residía en Puerto Rico, y donde residían otros españoles renombrados internacionalmente, como Juan Ramón Jiménez y Francisco Ayala. Magnífico director de orquesta y notabilísimo compositor, Casals fue siempre un artista completísimo, de férrea disciplina y gran dedicación.

Además de destacar como intérprete, Casals también fue reconocido por su activismo en la defensa de la paz, la democracia, la libertad y los derechos humanos, que le valieron prestigiosas condecoraciones como la Medalla de la Paz de la ONU y ser nominado al Premio Nobel de la Paz. Casals también manifestó públicamente su oposición al régimen franquista y su deseo de ver una Cataluña independiente o con un grado alto de autonomía (vid. cap. V de sus memorias, dictadas originariamente en francés a Albert E. Kahn y traducidas al catalán como Joia i Tristor).pau

Pau Casals murió el 22 de octubre de 1973, a la edad de 96 años, en San Juan de Puerto Rico, a consecuencia de un ataque al corazón. Fue enterrado en el Cementerio Conmemorativo de San Juan de Puerto Rico. En esa localidad se organiza el actual Festival Casals de Puerto Rico y está ubicado el Museo Pablo Casals.

El 9 de noviembre de 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados al cementerio de El Vendrell, su población natal, donde actualmente descansan.

En el centro de Vendrell se ubica la Casa-Museo de Pau Casals, y en el barrio de San Salvador de la misma población, la sede de la Fundación Pau Casals, con otra casa-museo frente a un auditorio bautizado con su nombre, y con un busto realizado por el escultor Josep Maria Subirachs.

Auditori---escultura-placa-anexe-a-l_auditori_20101103125654Entre las contribuciones más importantes de Pau Casals destaca haber cambiado la técnica de la interpretación de violonchelo, buscando movimientos más naturales alejados de la técnica rígida del siglo XIX y pegando el arco a las cuerdas siempre. Rescató del olvido las estupendas suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach, son legendarias las grabaciones que de ellas hizo entre 1936 y 1939, aunque las grabó repetidamente.

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Casals mostró ya desde su infancia una gran sensibilidad por la música. Su padre, Carles Casals i Ribes, también músico, le transmitió los primeros conocimientos musicales, que Pau Casals amplió con estudios en Barcelona y Madrid. En esta ciudad compartió estudios con el otro grande del violonchelo español del siglo XX, Juan Ruiz Casaux, siendo ambos discípulos del catedrático de la Escuela Nacional de Música, Víctor Mirecki, iniciador de la escuela violonchelística española moderna, y de Jesús de Monasterio en la cátedra de perfeccionamiento de música de cámara. Con tan solo 23 años, inició su trayectoria profesional y actuó como intérprete en los mejores auditorios del mundo.

En calidad de intérprete, aportó cambios innovadores a la ejecución del violonchelo e introdujo nuevas posibilidades técnicas y expresivas. Como director, buscaba igualmente la profundidad expresiva, la esencia musical que sabía alcanzar con el violonchelo. Son especialmente conocidas las versiones que dirigió en el Festival de Malborough de los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach, su músico predilecto, sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, etc.
6-enric-granados-i-pau-casals“Enric Granados i Pau Casals són dos dels músics més importants del nostre temps. Granados a través el piano i Casals amb el violoncel , van contribuir a la creació artística del segle XX, compartint el fruit de les seves dues personalitats aparentment contraposades, però essencialment unides. Unides per l’amor al seu país, per la vocació per la música i per una amistat incondicional.
Pau Casals i Enric Granados es van conèixer el 1891 a Barcelona. Granados, deu anys més gran que Casals , es va convertir musicalment , en el seu millor amic i en l’aspecte personal, en una mena de germà gran. La seva amistat, va durar fins la prematura mort de Granados vint anys després.”*

Pau Casals ejerció también como profesor en el Real Conservatorio de Madrid. Además de violonchelista, también desarrolló su carrera como compositor, dejando un legado de obras, entre las que se incluyen el oratorio El Pessebre, que presentó en diversos países. Popularizó la antigua canción catalana “El cant dels ocells” tocándola en la sede de la ONU; esta melodía ha acabado erigiéndose en un verdadero canto a la paz. En 1973, muere en San Juan de Puerto Rico: el gobierno del país declara tres días de luto nacional, se reciben las condolencias de todos los jefes importantes de estado, los grandes músicos y el pueblo en general. En la Ciudad de México, desde el teatro principal, el Palacio de las Bellas Artes, se presenta el poema sinfónico El Pessebre con renombrados solistas, dos orquestas y coro, dirigidos por Enrique Gimeno que fue retransmitido por satélite internacionalmente.**

casals* **Datos historicos compartidoa de:
http://blocs.xtec.cat/bondiaambmelodia/2015/04/
https://es.wikipedia.org/wiki/Pau_Casals

JOHANN SEBASTIAN BACH

JOHANN SEBASTIAN  BACH

Tal día como hoy hace 292 años, en Leipzig (Austria), en la iglesia de San Nicolás, se presenta al público por primera vez, en Viernes Santo, “La pasión, según San Juan”, obra de Johann Sebastian Bach, basada en los capítulos 18 y 19 del Santo Evangelio de Juan, que lleva componiendo varios meses.

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Pasión según San Juan, BWV 245

Fue escrita en las fechas previas al Viernes Santo de 1724, y está basada en los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan. Las palabras de la apertura, las arias, los recitativos y los corales se tomaron de diferentes fuentes, entre otras, de la Pasión según San Mateo, BWV 244 y de la traducción que Martín Lutero había hecho de la Biblia. La Pasión según San Juan es quizás menos familiar que la Pasión según San Mateo; ésta de mayor duración y que permitió que el público redescubriera a J. S. Bach gracias a la interpretación que Felix Mendelssohn hizo de esta obra en 1829. Comparando ambas obras, la Pasión según San Juan ha sido descrita como más extravagante, con una inmediatez expresiva a veces desenfrenada y menos terminada.

800px-JohannespassionOriginalmente la Johannes Passion iba a ser interpretada por primera vez en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig, pero finalmente se hizo en la iglesia de San Nicolás en 1724. Fue cambiada en numerosas ocasiones hasta la versión definitiva de 1740. Las partes que Bach eliminó se agregaron posteriormente como apéndices.
A diferencia de la Pasión según San Mateo, la obra sufrió diferentes modificaciones, siendo la más conocida la de 1724.
En 1725 Bach cambió la apertura original Herr, unser Herrscher, dessen Ruhm por O Mensch bewein dein Sünde groß, que posteriormente pasó a ser final de capítulo en la Pasión según San Mateo. El final de la primera parte se cambió por Christe, Du Lamm Gottes de la BWV 23, añadiendo además tres arias.
En 1730 se vuelve a modificar la obra suprimiendo los cambios que se habían introducido en 1725, y agregando dos recitativos del Evangelio de Mateo.
En 1749 Bach cambió algunos diálogos regresando a la versión de 1740, quedando ésta como definitiva.

En una época que avanza hacia la moda ilustrada de la melodía galante, que al final Mozart se encargará de culminar a su modo, Bach sostiene su arte en la tibia veladura del contrapunto, colofón final a la polifonía renacentista.

        Puede que Bach trabajara en una primera pasión (hoy perdida) en su estancia en Weimar de la que posteriormente se fugaran movimientos a las siguientes (Juan en 1724, Mateo en 1727). En 1731 presenta la Pasión según San Marcos, de la que se conserva completo el texto de Picander y tan sólo parte de su música.

0028941932426        Después del Magnificat y el silencio monacal de las seis semanas de Adviento en las que se interrumpía la música en Leipzig (a excepción de la fiesta de la Anunciación), Bach dispuso de tres meses para dar forma al espectáculo de su pasión. Tendrá que recuperar y elaborar trabajos anteriores de su época en Weimar para su final interpretación el 7 de abril de 1724 en la iglesia de San Nicolás.

        Bach seleccionó los versículos bíblicos literales desde Juan 18:1 hasta 19:42. Para mantener la estructura literaria y la coherencia del relato recurrió a las descripciones de otros evangelistas que se pronunciaban allí donde Juan callaba.
También recopiló y ensambló distintos himnos y poemarios luteranos tradicionales de los siglos XVI y XVII.  De este supuesto problema estético, de la heterogeneidad de las fuentes, se le acusará a la obra cuando se la compare con la posterior Pasión según San Mateo, escrita entera por Picander.

        Tenemos que recordar que aunque Bach no se inscribió nunca en la Universidad era un buen conocedor de la teología luterana y de la lengua latina, necesarios en la cantoría y sobre los cuales se le examinó antes de ser elegido para el puesto. Los libros inventariados a su muerte en la biblioteca personal del músico serán de exclusiva materia teológica.

Mocking_of_Christ_by_Gerard_van_Honthorst        El Evangelio de Juan entra a menudo en contradicción con los evangelios sinópticos. En comparación a la naturaleza de la narración de Lucas, Marcos o Mateo, la  forma literaria y el contenido de la versión de Juan es muy diferente, más sombría y emotiva.

        Jesús es la palabra de Dios por excelencia que testimonia su Verbo, que insta al hombre a salir de sus tinieblas para recuperar en libertad el paraíso perdido. Dios asume la forma humana en el héroe que en su martirio purga el pecado de los hombres. En el Evangelio de Juan se destaca la figura humana de Jesús. Éste no se nos aparece como sacerdote, pues a sí mismo se inmola; sino impotente, temeroso y angustiado. El carácter trágico se intensifica en la duda de Jesús.

        Bach construye su obra más extensa hasta entonces. Utiliza el conjunto instrumental más numeroso que hubiera empleado nunca en Leipzig. Le otorga más peso a la sección de cuerdas: violines, violas, violas d´amore, viola da gamba, violonchelos, violones. Usa un acompañamiento de doble continuo con clave y órgano. Se suman flautas traveseras, laúd, oboes d´amore y oboe da caccia.*


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Pasi%C3%B3n_seg%C3%BAn_San_Juan,_BWV_245
http://www.sinfoniavirtual.com/revista/022/pasion_segun_juan_bwv245.php

MONEDAS EUROSET AUSTRIA 2013

MONEDAS EUROSET AUSTRIA 2013
FDC CARTERA OFICIAL

Tal día como hoy hace 260 años, nace en Salzburgo (Austria), Wolfang Amadeus Mozart, compositor austriaco del periodo clásico. A los cuatro años será un niño prodigio que interpretará melodías sencillas en el clave y compondrá pequeñas piezas. Con el tiempo será uno de los músicos más influyentes en la historia de la música occidental.

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CARTERA OFICIAL MONEDAS EUROSET AUSTRIA 2013 – 8 monedas
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1 Cent. La genciana es una de las plantas de montaña más famosas,la pequeña flor tiene un gran poder curativo. 2 Cent. El edelweiss es una reminiscencia del chelín, la “vieja” moneda austríaca. La planta rara de los Alpes. 5 Cent. El Primrose decorado como un signo de una naturaleza sana,se conocen cerca de 500 especies, algunas parecen un manojo de llaves. 10 Cent. La Catedral de San Esteban edificio gótico uno de los monumentos más famosos de Austria, los vieneses la llaman cariñosamente “Steffl”, la catedral es hoy en día un lugar de turismo. 20 Cent. El Tratado de Estado de Austria, firmado en 1955 en el Palacio de Belvedere de Viena, que caracteriza a la moneda de 20 centavos.
50 Cent. En la Secesión de Viena en el siglo 20 artistas del Art Nouveau se reunieron en la casa que se puede ver en la moneda cerca de la Plaza de San Carlos.
1 Euro. La moneda de Wolfgang Amadeus Mozart El “niño milagro” sigue siendo el embajador más famoso de Austria de la música. 2 Euros. La primera mujer Bertha von Suttner que obtuvo en 1905 el Premio Nobel de la Paz.La Baronesa Suttner murió en 1914, pocas semanas antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial.

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WOLFGANG AMADEUS MOZART

MONEDA AUSTRIA 2015 – WOLFGANG AMADEUS MOZART – 20 EUROS – PLATA PROOF

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MONEDA AUSTRIA 2015 – WOLFGANG AMADEUS MOZART – 20 EUROS – PLATA PROOF – Metal: 900 – Peso: 20 grs. – Ø 34 mm. – Tirada 50000 – Calidad Proof – Con estuche y Certificado de garantía y autenticidad.

mozart1 mozart2WOLFGANG AMADEUS MOZART – UNA VIDA EN TRES ACTOS – MOZART COMO NIÑO PRODIGIO
Wolfgang Amadeus Mozart: podría decirse que las tres palabras más famosas de la historia musical. “Wolfgang”, “Amadé” y “Mozart” son los nombres dedicados al hijo más famoso de Austria, cada uno de los cuales explora una fase diferente en la vida corta pero prolífica de Mozart, así como una de sus famosas producciones teatrales a partir de ese fase.
Un hijo de su tiempo, Wolfgang Mozart era tan bulliciosa y alegre como el período rococó durante el cual nació. Animado por su padre, tutor y director, Leopold, que renunció a componer para centrarse en el desarrollo musical de su hijo, Mozart fue el niño prodigio arquetípico, o niño prodigio. Pero podría haber ido todos horriblemente mal. Como amigo de la co-guionista de la historia de Bastien y Bastienne, JA Schachtner familia y, dicho del compositor más célebre de todos los tiempos: “Con su insaciable curiosidad por la vida y la incapacidad para elegir entre el bien y el mal cuando él era joven, que bien podría haberse convertido en el peor tipo de villano “.
Durante la infancia no convencional de Mozart, que se representa en el retrato maravillosamente enigmático de Wolfgang en el anverso de la moneda, la familia completó varias giras europeas agotadoras, en la que Wolfgang y su hermana mayor Nannerl realizaron como niños prodigios en numerosas cortes reales. Cada miembro de la familia cayó amenazadoramente enfermos de gira, pero eso no impidió que el joven Mozart de completar tres óperas de la edad de 12.. Reverso de la moneda representa una escena de la ópera cómica “Bastien y Bastienne”.
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Acuñada a un máximo de 50.000 piezas en calidad de prueba solamente, cada una magnífica moneda de plata € 20 de esta Serie Mozart viene en un caso atractivo con un certificado de autenticidad numerado.