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Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi

“Tal día como hoy hace 203 años, nace en Roncole (Italia), el italiano que será compositor de importantes y grandiosas óperas, Giuseppe Verdi.”

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Giuseppe Verdi

*Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Roncole, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor de ópera italiano.
Verdi compuso ópera durante toda su vida y perfeccionó su arte con la influencia de Rossini, Bellini y Donizetti con el uso de las formas de la grand opéra francesa, para desembocar en la creación de sus obras maestras shakespearianas, Otello y Falstaff, en las que se apuntan algunas de las innovaciones de Wagner en la forma de la ópera. A lo largo de su vida, su originalidad y fecundidad no tuvieron rival.
Verdi

Nació en el pueblo de Roncole, cerca de Parma, entonces bajo la dominación napoleónica, el mismo año que nacería Richard Wagner. Carlo y Luigia Verdi, padres del futuro gran músico, eran más bien pobres: regentaban una pequeña posada que tenía anexa una tienda de comestibles; para aprovisionarse, acudían a un rico mayorista de Busseto, Antonio Barezzi, que era también el alma de la cultura musical ciudadana por su cargo de presidente de la Sociedad Filarmónica local.

Carlo Verdi envió a su hijo que estudiara en la casa parroquial, donde recibió las enseñanzas del reverendo Pietro Baistrocchi, que, naturalmente, junto a las primeras letras, le hizo aprender los fundamentos de la música en el órgano de la iglesia. Verdi asimilaba con tal rapidez las enseñanzas del padre Baistrocchi, que llegó al extremo de sustituirlo, cada vez más a menudo, en el puesto de organista, dedicación que en la iglesia alternaba con la de monaguillo. En 1822, comenzó sus estudios musicales con Ferdinando Provesi, [2] que ejercía los cargos de organista y maestro de capilla en la catedral, además del de maestro municipal de música en la Sociedad Filarmónica, la institución presidida por Barezzi y que constituía, con relación al coro de la iglesia, la vertiente laico de la vida musical de Busseto. El gran Provesi ya nada tenía que enseñarle y Barezzi, firmemente convencido del futuro de aquel joven encaminado a convertirse en su yerno, obtuvo para él una beca del Monte de Piedad local, que le permitía seguir estudios en Milán.
Primeros días en Milán
Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

Pero en Milán la esperaba la primera desilusión artística de su vida: no poder entrar por conducto regular el Conservatorio por haber superado ya la edad fijada por el reglamento, Verdi tuvo que someterse a un examen y acreditar aquellas «cualidades excepcionales »que podían constituir la única excepción admitida a la regla. Y fue rechazado. En vista de ello, la única alternativa para Verdi consistía en acudir a la enseñanza privada: siempre ayudado por Barezzi, estudió durante tres años bajo la orientación de un operista de la escuela napolitana, protegido del famoso Paisiello . Se trataba del arisco pero competente Vincenzo Lavigna.

El único pasatiempo que tenía Verdi era asistir a los espectáculos de La Scala ya los ensayos y conciertos de la Sociedad Filarmónica. Durante uno de estos ensayos -se estaba preparando el difícil oratorio La creación, de Haydn- faltaron los tres directores titulares y Verdi tuvo que sustituirlos. Las sonrisas de suficiencia con que los nobles músicos iniciaron el ensayo se mudaron muy pronto en estima y, finalmente, en profunda admiración, hasta el extremo que le rogaron que dirige personalmente el concierto, en el que obtuvo un éxito halagüeño. Massini le propuso la composición de una ópera y le suministró también el libreto, ya impreso y titulado Rochester, del que era autor un tal Antonio Piazza.

Margherita Barezzi

Con la muerte de Ferdinando Provesi, Verdi vuelve a Busseto, donde permaneció durante tres años, de 1836 a 1839. Apenas obtenido el cargo, se casó con Margherita y formó un hogar, en la que al cabo de un año nació Virginia, seguida al poco por un segundo hijo, Icilio. Tras dimitir a Busseto, volvió en febrero de 1839, apoyado una vez más por la generosidad financiera del suegro.

Los jovencísimos esposos, que el año anterior, estando aún en Busseto, habían perdido ya la pequeña Virginia, se les moría, también el 22 de octubre, su segundo hijo, Icilio.

Por otra parte, el 17 de noviembre de 1839 Verdi estrena su ópera Oberto, Conte di San Bonifacio, con el libreto y el título modificados en La Scala, con un éxito «no grandioso, pero bueno”, según escribió el mismo compositor. Bartolomeo Merelli, que regentaba el teatro en aquellos momentos, le encargó a Verdi inmediatamente una segunda ópera, cómica esta vez, por exigencias de equilibrio de géneros en la programación. Como no había tiempo para procurarse un libreto original, se recurrió entonces, algo habitual en aquellos tiempos, en un librito escrito hacía más de veinte años por Felice Romani, autor de los textos de casi todas las óperas de Bellini. La obra fue Un Giorno di Regno (Un día de reinado), con un texto muy mediocre, no tanto por la calidad intrínseca de los versos, como por la soporífera reiteración de la trama.

Placa conmemorativa del 150 aniversario
de la muerte de Margherita en Milán

Margherita, que tras la muerte de Icilio, tan próxima a la de la primogénita, no se había recuperado, enfermó de encefalitis y murió a los pocos días, el 18 de junio. Verdi se sintió aniquilado: volvió a Busseto y durante todo el verano estuvo inmerso en el dolor. A finales de esta estación, sin embargo, acosado por las exhortaciones de Merelli, volvió a Milán y reanudó su actividad, buscando en el trabajo un camino de evasión.

En estas condiciones era muy difícil componer la opera buffa que se estrenó el 5 de septiembre de 1840. El tema era trillado, la música era más bien mediocre y la interpretación fue pésima.
Verdi se refugia en Busseto. Pero quien parte de una pequeña comarca para volver derrotado, no puede esperar encontrar el reposo y la serenidad de un cariñoso consuelo. Imposible quedarse. Verdi marchó a Génova para retocar la partitura de su Oberto, que iba a representarse en el transcurso del otoño. En retocarla, la empeoró considerablemente, aceptando entre otras cosas secundar el gusto más reaccionario del público. Pero la ópera sólo obtuvo un moderado éxito. Como no podía seguir soportando la atmósfera opresiva y burlona de Busseto, retornó a Milán, que representaba para él el único lugar donde podía refugiarse en el anonimato más absoluto.


na noche de invierno, se encontró casualmente con Merelli, que se dirigía al teatro. Caían grandes copos de nieve y él, cogiéndolo del brazo, lo invitó a acompañarlo en el camerino de La Scala. Mientras iban caminando, le explicó que estaba preocupado por la nueva ópera que tenía que ofrecer y que había encargado a Nicolai, pero este no estaba contento con el libreto. Se trataba de Nabucco, con versos de Temistocle Solera. Verdi ante las lamentaciones financieras de Merelli, cerró la cuestión pagando de su propio bolsillo los nuevos contratados. Lo que, en cambio, no pudo evitar fue el uso de viejos decorados y vestidos, provenientes de las óperas más dispares y que se readaptar y restaurar para aquella ocasión. Durante los ensayos, el teatro caminaba revolucionado por una música nueva. El carácter de la partitura era tan insólito y desconocido, el estilo tan rápido y nuevo, que el estupor era general; cantantes, coro y orquesta, al escuchar esa música, mostraban un entusiasmo extraordinario. Y aún hay más: era imposible trabajar en el teatro, fuera del escenario, ya que los operarios, pintores, iluminadores y tramoyistas, electrizados por lo que escuchaban, dejaban sus tareas para asistir boquiabiertas a todo lo que se ponía en escena.


Imagen de una representación moderna de Nabucco

Nabucco se estrenó en La Scala el 9 de marzo de 1842, con la soprano Giuseppina Strepponi, en el papel de Abigaille. Strepponi se convirtió en el amante de Verdi, y pasado mucho tiempo desde la muerte de su primera esposa, en 1859, se casó con ella. La velada tuvo un crescendo de entusiasmo, llegando a extremos delirantes al término del «Va, pensiero», cuando todo el teatro se levantó de golpe y, pasados ​​unos interminables minutos de aplausos, se concedió el bis.

Fue uno de los más fervientes casos de total identificación entre público y ópera que se recuerdan en la historia de la ópera. En el mundo de la lírica, dominado hasta entonces por las melodías astrales, lánguidas y dulcísimas de Bellini y Donizetti, irrumpía una música potente, a veces brutal e incluso rudo, pero hecha siempre de carne y sangre, con la vitalidad y la fuerza de un río en plenitud. Una música que sintonizaba completamente con el estado de ánimo de un público cada vez más intolerante con la dominación austríaca. Sólo se pudieron dar ocho funciones de Nabucco durante el mes de marzo debido a exigencias de programación, pero cuando esta ópera volvió a estar en cartel en verano, se representó durante 57 noches, cifra fabulosa incluso en aquellos años.

Ahora, la alta sociedad de Milán competía para tenerlo en sus salones. En 1842, nacieron las relaciones de Verdi con la condesa Appiani, con la noble dama Morosini y, sobre todo, con la condesa Clara Maffei o Clarina, en el salón de la cual se agrupaban los mejores cerebros de la Lombardía, atraídos por el espíritu, gracia y patriotismo de Clarina, así como por la amabilidad y cultura de su marido, Andrea Maffei, que estaba completando la primera traducción al italiano de Shakespeare y de Schiller.

Cuando Clarina, pocos años después, se separó de su marido, iniciando su convivencia con el poeta y patriota Carlo Tenca, Verdi continuó manteniendo la amistad de ambos, pero fue Clarina la que ocupó siempre un lugar destacado en el restringido número de sus afectos. Este sentimiento de amistad de Verdi se vería más que correspondido por ferviente carácter de esta indómita criatura de aspecto benigno y dulce, que poco a poco transformaría su salón en una auténtica fragua irredentista, lugar de encuentro de los espíritus más animosos y batalladores de la ciudad, que allí prepararon la gran insurrección de 1848. Verdi era una de las figuras centrales de ese grupo, si bien políticamente no estaba comprometido de una manera directa. Pero su música se había convertido ya en sinónimo de libertad, de lucha y de rebelión contra la dominación extranjera.

Un dels seus llibretistes: el poeta Francesco Maria Piave

La seva fama creixia, però precisament per això li era més necessari que mai ser present en tots els teatres importants, escrivint ininterrompudament per consolidar la seva talla artística. Va estrenar un gran nombre d’òperes en la dècada posterior a 1843, un període que el mateix Verdi va anomenar els anys de galeres. El 9 de març de 1844, any que va seguir el triomf d’I Lombardi es va posar en escena al teatre La Fenice de Venècia la seva òpera Ernani, que va assenyalar l’encontre entre Verdi i l’exseminarista i poeta Francesco Maria Piave, destinat a convertir-se en l’autor de fins a deu llibrets de Verdi, amb qui va establir una relació d’íntima i fidel amistat.
Así, al año siguiente de Nabucco, el 11 de febrero de 1843, Verdi puso en escena I Lombardi alla prima crociata (Los lombardos en la primera cruzada), que mantenía el espíritu de la ópera precedente, suscitando auténticos delirios por su tema, que sacaba descubiertamente a escena el pueblo lombardo. Temistocle Solera había compuesto el libro inspirándose en un poema de Tommaso Grossi, otro habitual del salón de los Maffei. También en esta obra el éxito cuajó en el entorno de un corazón, O Signor che del Tetto natio (Oh, señor que del solar nativo), que los lombardos cruzados entonan en el tercer acto. Junto con el Va, pensiero, pronto este corazón quedó elegido como símbolo patriótico y se cantaba por las calles como reto intimidante hacia las tropas austriacas.

Verdi en SantAgata , 1898 de izquierda a derecha Stolz , Strepponi , Campanari , Verdi , Guilio Ricordi , Giuditta Ricordi , Metlicevik .

Después de su éxito vendrían los “años de galera” como él mismo los definiría, trabajando por encargos y a ritmo de una ópera al año, de esas óperas, muy de tradición italiana, yo destacaría Macbeth, supone un primer paso enorme hacia el drama musical que Verdi deseaba, es curioso cómo se quejaba de la intérprete protagonista por no tener una voz áspera y malvada, Donizetti, Rossini y me atrevería a decir todos los compositores hasta bien entrado el siglo XX, no habrían siquiera pensado en esa caracterización total de un personaje de ópera.Desde 1847 pasa largas temporadas en Paris, conociendo bien los trabajos de Meyerbeer, Hàlevy o Gounod.
El gran paso siguiente fue, sin duda, la llamada trilogía popular Rigoletto, Trovatore y Traviata, en especial la primera.En 1848 compra Villa Sant’Agata cerca de su tierra natal, donde desde 1851 vivirá casi ininterrumpidamente preocupándose de ampliar y gestionar sus terrenos y cultivos como el campesino que llevaba dentro.
Las siguientes óperas ya se alejan cada vez más del encorsetamiento del melodrama italiano, Il Ballo, La Forza, Don Carlos o Aida, son obras maestras de su propio lenguaje teatral.Verdi

Verdi pasó en París los siete meses siguientes del 1847, que constituyen uno de los momentos cruciales de su vida. Se encontró con la soprano Giuseppina Strepponi; la relación entre ambos, los comienzos de la que se remontaban a los lejanos tiempos del Oberto y que se había profundizado durante las primeras ocho representaciones del Nabucco, se transformó en un lazo afectivo destinado a perdurar toda la vida.

Giuseppina Strepponi, segona esposa de Verdi

Giuseppina había roto las relaciones con el tenor Napoleone Moriani en 1842, y salió con el espíritu destruido y la ve seriamente dañada. A pesar de ello, empujada por las preocupaciones económicas familiares, además de las ocasionadas por el futuro de su hijo Camillino -el otro había muerto casi en nacer-, continuó cantando y había contribuido al éxito de Nabucco.

Después de la revolución fustrado y no teniendo que preocuparse ya de la censura, escribió de un tirón una ópera que es un auténtico himno patriótico y libertario: La batalla de Legnano, es decir, la batalla en la que los ejércitos de la liga Lombarda derrotaron a los del emperador Federico Barbarroja, liberando el norte de Italia de su dominación. Obviamente, tal música correspondió, dado el clima independentista que vivía Italia, un triunfo apoteósico. Con ésta, se cierra el ciclo de las óperas juveniles de Verdi.

Al final de los años de galeras, Luisa Miller (Nápoles, Teatro San Carlo, 8 de diciembre de 1849) y Stiffelio (Teatro Grande de Trieste, 16 de noviembre de 1850) marcó un momento fundamental en la evolución estilística de Verdi. Su pensamiento musical se hizo más refinado y su dramaturgia gira hacia un noble lirismo que exalta la profundización psicológico de los personajes. Verdi había alcanzado la plena madurez artística, que confirmó con los tres títulos de la considerada trilogía popular, un tríptico de obras de argumentos diversos y muy queridas por el público: Rigoletto, Il trovatore y La Traviata, tres óperas destinadas a obtener un éxito abrumador.


La seva casa a Sant’Agata

Mientras tanto, Verdi había adquirido la villa de Sant’Agata, en el municipio de Villanova sull’Arda, en la provincia de Piacenza y no demasiado lejos de Busseto. Aquí se estableció en la primavera de 1851 junto a su compañera sentimental Giuseppina Strepponi. A Sant’Agata, Verdi se dedicó con pasión a la agricultura, y cultivó sus intereses en el arte, la poesía, la economía y la política. Fue elegido consejero comunal de Villanova y consejero provincial.

Hacía ya 10 años largos que Verdi era el compositor más notable italiano y su fama crecía ininterrumpidamente por toda Europa. En 1862 se trasladó a San Petersburgo, donde se estrenó triunfalmente La forza del destino. En 1865, estaba de nuevo en París para la revisión de Macbeth y volvió dos años después, para el estreno de la que es quizás su gran ópera, Don Carlos. Sin embargo, el reconocimiento de la grandeza de esta obra, así como la de Simon Boccanegra, se debe a la crítica más reciente.

Arrigo Boito i Verdi

La vida de Giuseppe Verdi puede dividirse en dos periodos: el juvenil, relleno de tribulaciones y luchas, y el de madurez, pletórico de serenidad e inspiración. Pasó sus últimos años entre Sant’Agata y Milán. El 16 de diciembre de 1899 instituyó la Opera Pia, Casa di Riposo por y Musicisti: quería asegurar el mantenimiento de aquellos «que han dedicado la vida al arte musical» y que se encontraran en condiciones precarias. Según su voluntad, el primer huésped del asilo fue aceptado después de la muerte del compositor.

Su testamento, hecho el 14 de mayo de 1900, Verdi designó como heredera universal una prima de Busseto, Maria Verdi. Sin embargo, dejó muchos legados a diversas entidades sociales, entre las que se encontraba obviamente la Casa di Riposo para Musicisti, en el oratorio de la que fue enterrado junto a su esposa Giuseppina, el 27 de febrero de 1901 . el corazón va, pensiero fue interpretado a su funeral oficial durante el traslado del cementerio en la Casa di Riposo por Musicisti, dirigido por Arturo Toscanini y un coro de 820 cantantes. Dentro de la Casa, se cantó el Miserere de Il trovatore

Fotografia de VerdiPero le queda una obra más por hacer en 1899 se crea la fundación para la Casa Verdi

“Delle mie opere, quella che mi piace di più è la Casa che ho fatto costruire a Milano per accogliervi i vecchi artisti di canto non favoriti dalla fortuna, o che non possedettero da giovani la virtù del risparmio. Poveri e cari compagni della mia vita!”De mis trabajos, el que más me gusta es la Casa que he hecho construir en Milán para acoger a los viejos artistas de canto no favorecidos por la fortuna, o que no tenían de jóvenes la virtud del ahorro. ¡Pobres y queridos compañeros de mi vida!

Durante la Navidad de 1901, la salud de Verdi empeora, está en Milán donde suele pasar los últimos inviernos, por via Manzoni los caballos y las carrozas marchan lentos, hay paja en la calle para amortiguar el ruido de cascos y ruedas… nadie quiere molestar el reposo del maestro… Giuseppe Verdi muere la madrugada del 27 de Enero de 1901 en su habitación de siempre en el primer piso del Grand Hotel et de Milan.*Firma de Verdi


*Datos históricos compartidos de:
https://ca.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Verdi

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Los descubrimientos portugueses fueron una serie de viajes marítimos y exploraciones llevadas a cabo por los portugueses entre 1415 y 1543. Los descubrimientos resultaron en la expansión de Portugal y fueron una contribución esencial para delinear el mapa del mundo, impulsados por la Reconquista y la búsqueda de vías alternativas de comercio en el mar Mediterráneo. Aunque con antecedentes en el reinado de Dinis (1279) y en las expediciones a las islas Canarias de la época de Alfonso IV, es a partir de la conquista de Ceuta en 1415 —una plaza conquistada con relativa facilidad, por una expedición organizada por Juan I—, cuando Portugal inicia el proyecto nacional de la navegación oceánica sistemática1 que se conocerá como «descubrimientos portugueses». Después de la Reconquista, el espíritu de conquista y cristianización de los pueblos musulmanes se mantuvo. Los portugueses se dirigieron después a África del Norte, de donde habían venido los mouros que invadieron la Península Ibérica y se establecieron en ella. Portugal no podía disfrazar su interés económico, ya que también era desde el norte de África, de donde provenían las especias, un género de gran valor debido al esfuerzo para traerlas a Europa. Avanzando progresivamente en el Atlántico a lo largo de las costas africanas, pasaron el cabo de Buena Esperanza y entraron en el océano Índico impulsados por la demanda de rutas alternativas del comercio en el Mediterráneo. Llegaron a la India en 1498, y, simultáneamente exploraron el Atlántico Sur y desembarcaron en las costas de Brasil en 1500, y navegando hasta el extremo de Asia, llegaron a China en 1513 y a Japón en 1543.

Las expediciones se prolongaron durante varios reinados, desde las exploraciones en la costa africana impulsadas por el infante D. Henrique, hijo de Juan I, con el proyecto de encontrar una ruta marítima a la India de Juan II, que culminó en el reinado de Juan III, cuando el imperio portugués quedó establecido (1557).

 Planisferio de Cantino (1502), la carta náutica portuguesa más antigua conocida, que muestra los resultados de los viajes de Vasco da Gama a la India; de Colón en América Central; de Gaspar Corte-Real a Terranova; y de Pedro Alvares Cabral a Brasil. El mapa recoge el meridiano del Tratado de Tordesillas (Biblioteca Estense de la universidad. de Módena).

Descubrimientos y exploraciones portugueses: las fechas indican primer arribo; en azul las rutas del comercio de especias portugués; en verde los territorios del Imperio portugués bajo el reinado de Juan III (1521-1557).*

La construcción del Imperio (1415-1570)

Los soldados portugueses capturaron Ceuta en 1415. A lo largo del siglo XV, los barcos portugueses organizados por Enrique el Navegante exploraron la costa oeste de África, haciendo mapas del territorio y buscando comercio, particularmente en especias, oro y esclavos. En 1487, Bartolomeu Dias rodeó el Cabo de Buena Esperanza, y en 1498, Vasco da Gama alcanzó Calicut (actual Kozhikode) en la India y estableció los primeros puestos portugueses en este subcontinente, especialmente en la Costa de Malabar (Kerala) y en el Gujarāt. El descubrimiento de la ruta marítima alrededor de África hacia la India y el resto de Asia abrió enormes oportunidades de comerciar para Portugal, y Portugal se movió agresivamente al establecer puestos de comercio y bases fortificadas para controlar este comercio.

Mapa de los territorios de la Corona, bajo el reinado de Carlos I, sin incluir el Imperio alemán y Austria (que luego heredaría Fernando) en 1556, esto es, solo los territorios que heredaría Felipe II – 1550, y que después formarían la unión con Portugal en 1580.

En África Oriental, pequeños estados islámicos junto a la costa de Mozambique, Malinda, Kilwa, Brava y Mombasa fueron destruidos o se convirtieron en sujetos o aliados de Portugal, del mismo modo las posesiones del sultanato de Zanzíbar quedaban prácticamente subordinadas al naciente imperio portugués. Pedro de Covilhã había alcanzado Abisinia en 1490. En el océano Índico y mar Arábigo, uno de los barcos de Pedro Álvares Cabral descubrió Madagascar, la cual fue parcialmente explorada por Tristán da Cunha (1507); Mauricio fue descubierta en 1507, Socotra ocupada en 1506, y ese mismo año, D. Lourenço d’Almeida visitó Ceilán. La victoria naval portuguesa en la batalla de Diu le abrió paso a la hegemonía marítima absoluta en el Oriente, convirtiendo el Índico en un lago portugués.

Con la conquista de Ormuz, los lusos tenían en su poder el golfo pérsico.Un intento de conquistar Adén en 1510 falla y obliga a los portugueses a retirarse. Sin embargo el segundo intento en 1516 es un éxito, y durante 22 años los portugueses dominaron la ciudad. Esta conquista les posibilitó, junto al castillo de Socotora, dominar el Mar Rojo y controlar al fin la Ruta de las Especias.

El Imperio portugués en el Este fue garantizado por el Tratado de Tordesillas, y Portugal estableció puertos comerciales en puntos lejanos como Mascate, Ormuz, Baréin, Diu, Bombay, Goa, el Ceilán portugués, Malaca, las islas Molucas, Macao, y Nagasaki. Protegiendo su comercio celosamente de sus competidores europeos y asiáticos, Portugal no solo dominó el comercio entre Asia y Europa, sino también mucho del comercio entre las diferentes regiones de Asia, tales como India, Ceilán, Oman, Golfo Pérsico, Indonesia, China, y Japón. Misioneros jesuitas siguieron a los portugueses para difundir el cristianismo católico romano por Asia con éxitos mezclados.

Brasil fue descubierto en 1500 por Pedro Álvares Cabral. Aunque inicialmente menos importante, Brasil llegaría a ser la colonia más importante del imperio, desde la cual Portugal reunió recursos como oro, piedras preciosas, caña de azúcar, café y otras cosechas.**


* **Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Descubrimientos_portugueses
https://es.wikipedia.org/wiki/Imperio_portugu%C3%A9s

JEAN SIBELIUS

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Jean Sibelius (nacido el 8 de diciembre de 1865 en Hämeenlinna, falleció el 20 de septiembre de 1957 en Ainola, su casa en Järvenpää) es el más conocido y más respetado compositor finlandés de todos los tiempos.

Sibelius nació en Hämeenlinna (en sueco Tavastehus), perteneciente entonces al Gran Ducado de Finlandia de Rusia. Era hijo de un doctor rural. Si bien su familia lo llamaba Janne, durante sus años estudiantiles comenzó a usar Jean, una forma francesa de su nombre original, permaneciendo así hasta el presente.
Sibélius_as_a_schoolboySibelius hacia 1880.

Pese a que su familia hablaba sueco, decidió enviarlo a una escuela de habla finlandesa, contra lo que podía esperarse en el contexto impuesto por el movimiento Fennoman, por lo que Sibelius asistió al Liceo Normal de Hämeenlinna entre 1876 y 1885. El nacionalismo romántico sería un elemento crucial en la producción artística de Sibelius.
a3829807cdbe49e9d7bd7319ccf36a35 Pocos compositores fueron capaces de capturar en la música los mitos, la historia y la belleza natural de su país de origen como Sibelius lo hizo. Sus trabajos más aclamados son los siete sinfonías, poemas de tono y el concierto para violín.
Sibelius fue el hijo de un médico municipal, Christian Gustaf Sibelius, y su esposa Maria Charlotta Borg. Originalmente bautizado Johan Christian Julius, joven Sibelius pronto recibió el nombre de mascota “Janne” después de fallecido el hermano del Dr. Sibelius, el capitán mercante Johan “Janne” Sibelius.

Sibelius_family_trioEn sus años de estudiante, Sibelius comenzó a utilizar las viejas tarjetas de llamadas de Johan Sibelius, que se encuentran entre los papeles de su difunto tío. Su tio Janne usaba su nombre en francés, como era la moda en el momento, y así es como Johan Christian Julius “Janne” Sibelius fue conocido como Jean Sibelius para el resto de sus dias.
Se matriculó en Derecho en 1885 en la Universidad Imperial de Alexander de Finlandia en Helsinki, pero sólo podía concentrarse en la música, asi que dejó la escuela de derecho después de un año.
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A partir de 1885-1889, estudió música en diversas instituciones en Helsinki, incluyendo el Instituto de Música de Helsinki – Hoy Academia Sibelius – en virtud de Martin Wegelius. Continuó sus estudios en la próxima década, por primera vez en Berlín (1889-1890) y luego en Viena (1890-1891).
En Finlandia, se convirtió en parte de la ola de artistas Fennoman cuyas filas se incluye célebres escritores y pintores como Akseli Gallen-Kallela, Pekka Halonen, Eero Järnefelt, Arvid Järnefelt, Eino Leino, Robert Kajanus, Juhani Aho y Eero Erkko. Varios de estos artistas decidieron formar una comunidad alrededor del Lago Tuusula cerca de Helsinki.
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Sibelius tenía una relación particularmente estrecha con la Järnefelts, y más tarde se casó con Aino, la hermana de Eero y Arvid. En 1890 el escritor finlandés Juhani Aho despertó el enojo de Sibelius con la publicación de “Yskin” (“Solo“), novela autobiográfica e historia de amor donde el autor retrataba su pasión por Aino, cuando ella ya estaba comprometida con Sibelius. Posteriormente Sibelius olvidaría gradualmente el episodio, él y Aho serían amigos cercanos en la vejez.
Jean y Aino tuvieron seis hijas: Eva, Ruth, Kirsti-Maria (que murió de fiebre tifoidea cuando tenia 1 año), Katarina, Margareta y Heidi.
Después de su regreso a Finlandia en 1891, Sibelius continuó escribiendo la Sinfonía Kullervo, que había comenzado en Viena. Estrenado en 1892, el Kullervo fue uno de los grandes éxitos de la carrera de Sibelius.
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Aino la esposa de Sibelius con Eva , 1º hija en 1893

 


Durante el período de la opresión rusa, Sibelius se convirtió en uno de los símbolos de la lucha nacional. obras patrióticas tales como Finlandia y el Cantar de los atenienses levantaron espíritus finlandeses durante esos tiempos difíciles.  Elperiodo Nacional-romántico de Sibelius terminó con la Sinfonía No. 1 (1899).
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En 1904, se completó la nueva casa de Jean y Aino Sibelius. Construido por el Lago Tuusula, la casa era llamada Ainola, “la casa de Aino”. Una vida social en horas de la noche activas en restaurantes de Helsinki habían comenzado afectan a la vida familiar de Sibelius y su trabajo como compositor.

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photo_maria_sibelius“En Helsinki, la canción dentro de mí murió”, declaró más tarde Sibelius. Ainola proporcionó a Sibelius el entorno de
trabajo perfecto para el resto de su vida. En los primeros años de adolescencia del siglo, Sibelius realizó varios viajes de conciertos a Gotemburgo, Riga, Copenhague, Berlín y otras ciudades; como resultado de estos viajes, su reputación internacional comenzó a crecer. La Gran Guerra de 1914-1918 trajo tiempos difíciles para Sibelius, tanto mental y materialmente.
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Con el fin de asegurarse ingresos, tuvo que componer pequeñas obras – canciones, piezas para piano y composiciones para violín y piano. La ruptura creativa de 1920-1922 fue seguido por las sinfonías. Pero continuó actuando en el extranjero y completó su Sinfonía No. 6 (1923) y la Sinfonía No. 7 (1924).photo_js_desk
Música fúnebre para op órgano. 111b (1931), que Sibelius compuso para el funeral de su amigo Akseli Gallen-Kallela, generalmente se consideró su última obra pública. Aunque Sibelius continuó trabajando en su sinfonía octava hasta 1943. Pero se destruyo este y otros trabajos en una gran hoguera en Ainola en finales de 1940.

11064166793_3609b74058_bHacia el final de la década de 1940 Sibelius mostró que “el silencio de Ainola” no era tan tranquilo, ya que se ponia a pensar. Durante una sola noche en 1946 compuso la Masones, dos nuevos temas de la música ritual, Veljesvirsi y el himno Alabanza. En 1948, hizo correcciones, estas canciones, y una serie de otros números musicales masónicos, listo para imprimir.
JS_lukeeAino-Sibelius-Oleg-Kagan-1965Aino hablando de Sibelius ya en sus últimos años

Sibelius se mostró satisfecho con la situación general. “Es maravilloso que se consigue durante la vida”, dijo en una entrevista en 1947. “Hay mucha gente que nunca se llega a saber lo que se valora su arte”. Además, Aino dijo: “En los últimos 20 años he intentado mejorar su vida, y especialmente alrededor del 15 años antes del final que fuera todo suave “, recordó más tarde. la única molestia era la tendencia del compositor a exagerar la más mínima críticas negativas y otras manchas en la reputación del compositor. la tendencia en vano de luto le controla y agobiaba por las dos partes relacionadas.
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Sibelius comenzó a hablar de su avanzada edad hasta 1948, y para explicar la negativa de varias invitaciones a eventos en el extranjero. Su secretario privado Santeri Levas considera los años de jubilación del compositor a la edad de 82 años honorables.
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En el mismo año Sibelius dio a su único radiohaastattelunsa. Sibelius dijo a la Compañía Finlandesa de Radiodifusión Kalevi en una entrevista donde engrandecía a los bosques. “Aquí en Ainola el silencio habla”, dijo Sibelius jyhkeästi. La entrevista transmite la capacidad de un Sibelius respondiendo brevemente, sin proporcionar ninguna información adicional.
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Hizo apariciones semi-públicas en el 85 cumpleaños del compositor en Ainola en diciembre de 1950. Räiskivät en especial el Presidente de la República J. K. Paasikivi visitó al compositor. La visita se produjo mucho después de que dos de sus hijas Hämeenlinna se graduaran de secundaria, con recuerdos de los profesores y compañeros de la clase en la década de 1880.


sibelius_ja_eugen_ormandy_130651Jean Sibelius se reunió con Eugen Ormandy
en Ainola en junio de 1951 (en la foto) y de nuevo en 1955.


Para celebrar, Olin Downes escribió un artículo del New York Times. Downes tenía a Sibelius como gran el compositor de1 1900 neoklassistina y lo coloca una vez más pilkkaamiensa como “modernista” y “intelectual” . El artículo, por supuesto, sólo alimentó la rabia de los enemigos Downes. Sibelius fue gracias a los escritos del compositor de arquetipo conservador.
 

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En 1955, Sibelius trabajó con Yehudi Menuhin, la Orquesta de Filadelfia y  el director de orquesta Eugene Ormandy. En diciembre del mismo año, secelebró el 90 aniversario dentro de la familia.

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Los últimos años Sibelius gozaba de buena salud, leia, caminaba, miraba por la naturaleza y siguió a través del mundo de la radio y, especialmente, eventos de música,” escribió Jalas. “Tenia contacto con el mundo exterior para a saludar a los parientes que venian averlo y huéspedes, que rara vez recibia.

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El secretario privado Santeri Levas escribió “Parece que el último año de su vida el maestro ya no era el mismo. Se sentaba en su silla, una gran cantidad de libros en una esquina. En invierno no se movió en absoluto, salia al aire libre en el verano y sólo con buen tiempo “.
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Componiendo el compositor ya hablaba con su secretaria. Compuso la Octava Sinfonía, tragedia había terminado en la sumisión. La familia aún tenía que estar alerta por que las críticas negativase incluso pequeñas manchas de la reputación del mundo, que recibió el compositor y lo deprimió. 

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Sibelius murió de una hemorragia cerebral a la edad de 91 el 20 de septiembre de 1957 en Ainola. Después de la ceremonia conmemorativa en la catedral de Helsinki, el ataúd de Sibelius fue llevado a Ainola y enterrado en el jardín donde descansa hoy.

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PEJE03 19610910 JÄRVENPÄÄ, FINLAND: Russian-born composer Igor Stravinsky lays flowers on Finnish composer Jean Sibelius's grave at Sibelius's home, Ainola, in Järvenpää, Finland, on September 10, 1961. LEHTIKUVA / PERTTI JENYTIN /rl
El compositor de origen ruso Igor Stravinsky deposita flores en la tumba de compositor finlandés Jean Sibelius en la casa de Sibelius , Ainola , en Järvenpää , Finlandia , el 10 de septiembre de 1961.

Los dolientes se alinearon en las calles y carreteras de todo el camino desde el centro de Helsinki de la ciudad de Järvenpää.

kiinnostava_ainola_1Aino vivió allí los siguientes doce años, hasta su muerte el 8 de junio de 1969, y fue sepultada junto a su esposo. En 1972, los hijos sobrevivientes de Sibelius vendieron Ainola al estado de Finlandia. En 1974, el Ministerio de Educación y la Sociedad Sibelius abrieron allí un museo.
Sibelius-House _DSC4645_1IMG_2414*Gracias a google por las fotografias.

NINGYO JOHRURI BUNRAKU TEATRO DE MARIONETAS

JAPON 2003 MONEDAS SET NINGYO JOHRURI BUNRAKU TEATRO DE MARIONETAS ESTUCHE OFICIAL

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bunraku-01Bunraku (文楽?) es el nombre genérico por el que es conocido el teatro de marionetas japonés Ningyō jōruri (人形浄瑠璃?) (marionetas e historias contadas). Se caracteriza por la unión de tres artes escénicas distintas, las marionetas (ningyō), la recitación (jōruri) a cargo del recitador (tayū) y la música del shamisen.

El teatro de marionetas Ningyo Johruri Bunraku fue originalmente proclamado en 2003 e inscrito en 2008 en la Lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco.

bunrakuEl origen de las marionetas en Japón no se conoce con exactitud, la mayor parte de los estudiosos coinciden que las marionetas participaban de antiguos rituales religiosos sirviendo como vehículo para hacer llegar plegarias a los dioses, o bien, el manipulador actuando como médium era poseído por un dios. Este tipo de uso aún hoy día es frecuente en zonas rurales, en las que la marioneta sirve para proteger a los niños de enfermedades, y en templos del noroeste de Japón, reforzando la idea de los especialistas. Las figuras humanas representadas como muñecos o marionetas, independientemente si tienen movimiento o no, reciben en japonés el nombre de ningyō (人形), cuyo significado literal es “figura humana”.

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Las marionetas eran simples y de tamaño modesto en su origen, operadas con una sola mano, muy diferentes de las marionetas chinas que ya disponían de complejos mecanismos en el siglo X. El interés por los mecanismos no despertaría hasta finales del siglo XVI, a pesar de la existencia de algunas marionetas importadas desde China, y que podrían haber influido en el posterior desarrollo de las pequeñas marionetas del siglo VIII hacia las formas más complicadas y de mayor tamaño del siglo XVIII. En los inicios, las marionetas eran manipuladas por una sola persona y consistían en una cabeza y un vestido que el mismo manipulador construía. La evolución de las marionetas alcanzaría su forma definitiva en 1740, gracias a la introducción de mejoras técnicas, que ampliaban las posibilidades de expresión y movimiento en la escena.

a0007402_010263Las marionetas se clasifican siguiendo diferentes criterios, una de ellas es por el número de manipuladores necesarios para operar con ella. Los papeles más importantes necesitan de tres personas, mientras que para los papeles secundarios un solo operador basta para su manejo.

bunraOtra de las divisiones, en general la más común según el tipo de cabeza de la marioneta y distingue en personajes femeninos y masculinos, y por la edad, clase social, personalidad y papel en la obra. Entre los personajes principales más representados se encuentran:

  • danshichi caracteres fuertes.
  • kenbishi oficiales.
  • komei héroe.
  • wakaotoko joven adolescente y guapo.
  • fukeoyama madrastra.
  • okusan esposa, hermanas y ancianas.*

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*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Bunraku

PAU CASALS

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Pau Casals, cuyo nombre completo era Pau Carles Salvador Casals i Defilló (El Vendrell, 29 de diciembre de 1876 – San Juan de Puerto Rico, 22 de octubre de 1973), a nivel internacional, es uno de los músicos españoles más destacados del siglo XX. De padre catalán y madre nacida dentro de una familia de catalanes indianos en Puerto Rico, Casals es considerado uno de los mejores violonchelistas de todos los tiempos.

pau_casalsUna de sus composiciones más célebres es el «Himno de las Naciones Unidas», conocido como el «Himno de la Paz», compuesto mientras residía en Puerto Rico, y donde residían otros españoles renombrados internacionalmente, como Juan Ramón Jiménez y Francisco Ayala. Magnífico director de orquesta y notabilísimo compositor, Casals fue siempre un artista completísimo, de férrea disciplina y gran dedicación.

Además de destacar como intérprete, Casals también fue reconocido por su activismo en la defensa de la paz, la democracia, la libertad y los derechos humanos, que le valieron prestigiosas condecoraciones como la Medalla de la Paz de la ONU y ser nominado al Premio Nobel de la Paz. Casals también manifestó públicamente su oposición al régimen franquista y su deseo de ver una Cataluña independiente o con un grado alto de autonomía (vid. cap. V de sus memorias, dictadas originariamente en francés a Albert E. Kahn y traducidas al catalán como Joia i Tristor).pau

Pau Casals murió el 22 de octubre de 1973, a la edad de 96 años, en San Juan de Puerto Rico, a consecuencia de un ataque al corazón. Fue enterrado en el Cementerio Conmemorativo de San Juan de Puerto Rico. En esa localidad se organiza el actual Festival Casals de Puerto Rico y está ubicado el Museo Pablo Casals.

El 9 de noviembre de 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados al cementerio de El Vendrell, su población natal, donde actualmente descansan.

En el centro de Vendrell se ubica la Casa-Museo de Pau Casals, y en el barrio de San Salvador de la misma población, la sede de la Fundación Pau Casals, con otra casa-museo frente a un auditorio bautizado con su nombre, y con un busto realizado por el escultor Josep Maria Subirachs.

Auditori---escultura-placa-anexe-a-l_auditori_20101103125654Entre las contribuciones más importantes de Pau Casals destaca haber cambiado la técnica de la interpretación de violonchelo, buscando movimientos más naturales alejados de la técnica rígida del siglo XIX y pegando el arco a las cuerdas siempre. Rescató del olvido las estupendas suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach, son legendarias las grabaciones que de ellas hizo entre 1936 y 1939, aunque las grabó repetidamente.

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Casals mostró ya desde su infancia una gran sensibilidad por la música. Su padre, Carles Casals i Ribes, también músico, le transmitió los primeros conocimientos musicales, que Pau Casals amplió con estudios en Barcelona y Madrid. En esta ciudad compartió estudios con el otro grande del violonchelo español del siglo XX, Juan Ruiz Casaux, siendo ambos discípulos del catedrático de la Escuela Nacional de Música, Víctor Mirecki, iniciador de la escuela violonchelística española moderna, y de Jesús de Monasterio en la cátedra de perfeccionamiento de música de cámara. Con tan solo 23 años, inició su trayectoria profesional y actuó como intérprete en los mejores auditorios del mundo.

En calidad de intérprete, aportó cambios innovadores a la ejecución del violonchelo e introdujo nuevas posibilidades técnicas y expresivas. Como director, buscaba igualmente la profundidad expresiva, la esencia musical que sabía alcanzar con el violonchelo. Son especialmente conocidas las versiones que dirigió en el Festival de Malborough de los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach, su músico predilecto, sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, etc.
6-enric-granados-i-pau-casals“Enric Granados i Pau Casals són dos dels músics més importants del nostre temps. Granados a través el piano i Casals amb el violoncel , van contribuir a la creació artística del segle XX, compartint el fruit de les seves dues personalitats aparentment contraposades, però essencialment unides. Unides per l’amor al seu país, per la vocació per la música i per una amistat incondicional.
Pau Casals i Enric Granados es van conèixer el 1891 a Barcelona. Granados, deu anys més gran que Casals , es va convertir musicalment , en el seu millor amic i en l’aspecte personal, en una mena de germà gran. La seva amistat, va durar fins la prematura mort de Granados vint anys després.”*

Pau Casals ejerció también como profesor en el Real Conservatorio de Madrid. Además de violonchelista, también desarrolló su carrera como compositor, dejando un legado de obras, entre las que se incluyen el oratorio El Pessebre, que presentó en diversos países. Popularizó la antigua canción catalana “El cant dels ocells” tocándola en la sede de la ONU; esta melodía ha acabado erigiéndose en un verdadero canto a la paz. En 1973, muere en San Juan de Puerto Rico: el gobierno del país declara tres días de luto nacional, se reciben las condolencias de todos los jefes importantes de estado, los grandes músicos y el pueblo en general. En la Ciudad de México, desde el teatro principal, el Palacio de las Bellas Artes, se presenta el poema sinfónico El Pessebre con renombrados solistas, dos orquestas y coro, dirigidos por Enrique Gimeno que fue retransmitido por satélite internacionalmente.**

casals* **Datos historicos compartidoa de:
http://blocs.xtec.cat/bondiaambmelodia/2015/04/
https://es.wikipedia.org/wiki/Pau_Casals

sello-y-monedaEn esta sección podrá encontrar todo un compendio de lecciones, consejillos y clasificaciones sobre todo lo que entrama nuestro mundo filatélico y numismático.

Gracias por darse un poco de tiempo en querer aprender cada uno de los entresijos de este complejo pero a la vez divertido mundo del sello y la moneda :)
Esperamos que le apasione tanto como a nosotros y disfrute de ello en su viaje.

Si tiene alguna duda o consulta no dude en ponerse en contacto con nosotros. También nosotros podemos aprender de su experiencia :)

¡Un saludo de un equipo que está su completa dosposición!

Att.
Bárbara
LAMAS BOLAÑO

EL GRECO

EL GRECO

2 EUROS GRECIA 2014 – 400 AÑOS DEL FALLECIMIENTO DE DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS

Tal día como hoy hace 402 años, fallece en Toledo (España) Doménikos Theotokópoulos, pintor escultor y arquitecto del Renacimiento, conocido universalmente como “El Greco”, por su origen griego (nació en la isla de Creta). Realizó su trabajo, de estilo muy personal, principalmente en España.

En 2014 se conmemora el IV Centenario de la muerte de Domenicos Theotocopoulos, El Greco (1541-1614)

moneda-2-euros-color-grecia-2014-el-greco-400-anos-del-fallecimiento-de-domenikos-theotokopoulos-Tienda: http://bit.ly/1S4sHcN

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b7440575437eea9e5fc00702061e7d43MONEDA 2 EUROS COLOR GRECIA 2014 – EL GRECO – 400 AÑOS DEL FALLECIMIENTO DE DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS kreikka-2014-2-euro-el-greco-unc-2-700x700MONEDA 2 EUROS GRECIA 2014 – EL GRECO – 400 AÑOS DEL FALLECIMIENTO DE DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS – Tirada 750000

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Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541-Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego»), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

1024px-El_Greco_-_Portrait_of_a_Man_-_WGA10554Retrato de un caballero anciano, considerado autorretrato (1595–1600)

Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.

Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

1024px-El_Greco_-_The_Burial_of_the_Count_of_OrgazEl entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo), su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo xvi; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.

Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.

La cuestión de hasta qué punto, en su profunda transformación toledana, el Greco recurrió a su experiencia anterior como pintor de iconos bizantinos se ha debatido desde comienzos del siglo xx. Algunos historiadores del arte han afirmado que la transformación del Greco se hundía firmemente en la tradición bizantina y que sus características más individuales derivan directamente del arte de sus ancestros, mientras que otros han argumentado que el arte bizantino no puede relacionarse con la obra tardía del Greco.*


*Datos históricos compartidos de:
https://es.wikipedia.org/wiki/El_Greco

Antoon Van Dyck

Antoon Van Dyck

Tal día como hoy hace 417 años, nace en Amberes (Bélgica), Antoon Van Dyck, después de Pedro Pablo Rubens, el pintor flamenco más relevante del siglo XVII.

MONEDA ESPAÑA 2014 – VAN DYCK – SIR ENDYMION PORTER AND ANTON VAN DYCK / LA SERPIENTE DE METAL – 10 EUROS PLATA PROOF

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MONEDA ESPAÑA 2014 – VAN DYCK – SIR ENDYMION PORTER AND ANTON VAN DYCK / LA SERPIENTE DE METAL – 10 EUROS – Metal: Plata 925 – Peso: 27 grs. – Ø 40 mm. – Calidad Proof – Tirada 7000 – Con estuche y Certificado de garantía y autenticidad.

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En el anverso de la segunda pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «Sir Endymion Porter y Anton van Dyck», realizada hacia 1635 por Antonio van Dyck, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. En la parte superior izquierda de la moneda, en sentido circular ascendente y en mayúsculas, la leyenda ESPAÑA; debajo, en sentido horizontal, el año de acuñación 2014. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida en el lado superior derecho por un sector en cuyo interior aparece, en sentido circular descendente y en mayúsculas, la leyenda VAN DYCK.

En el reverso de la segunda pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «La serpiente de metal», realizada entre 1618 y 1620 por Antonio van Dyck, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. Más arriba de la imagen, en dos líneas y en mayúsculas, el valor de la moneda, 10 EURO. A la izquierda de la imagen central, la marca de Ceca. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida por un sector en la parte superior central de la moneda, en cuyo interior aparece, en sentido circular y en mayúsculas, la leyenda TESOROS DE MUSEOS ESPAÑOLES.

MONEDAS ESPAÑA 2014 – PINTORES TESOROS DE LOS MUSEOS ESPAÑOLES – COLECCION 4 MONEDAS PLATA PROOF

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MONEDAS ESPAÑA 2014 – PINTORES TESOROS DE LOS MUSEOS ESPAÑOLES – COLECCION 4 MONEDAS – 10 Euros Metal: Plata 925 – Peso: 27 grs. – Ø 40 mm. – Calidad Proof – Tirada 7000 (Cada una de las 3 monedas) / 50 Euros Cincuentín Metal: Plata 925 – Peso: 168,75 grs. – Calidad Proof Tirada 3500 – Con estuche conjunto y Certificado de garantía y autenticidad.

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MONEDAS ESPAÑA 2014 – PINTORES TESOROS DE LOS MUSEOS ESPAÑOLES – COLECCION 5 MONEDAS ORO Y PLATA PROOF

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MONEDAS ESPAÑA 2014 – PINTORES TESOROS DE LOS MUSEOS ESPAÑOLES – COLECCION 5 MONEDAS – 10 Euros Metal: Plata 925 – Peso: 27 grs. – Ø 40 mm. – Calidad Proof – Tirada 7000 (Cada una de las 3 monedas) / 50 Euros Cincuentín Metal: Plata 925 – Peso: 168,75 grs. – Calidad Proof Tirada 3500 – 400 Euros Metal: Oro 999 – Peso: 27 grs. – Ø 38 mm. – Calidad Proof – Tirada 2000

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50 EUROS – En el anverso se reproduce una imagen de la obra titulada «La cometa», realizada entre 1777 y 1778 por Francisco de Goya y Lucientes, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. En la parte superior derecha de la moneda, en sentido circular descendente y en mayúsculas, la leyenda ESPAÑA; en la parte inferior izquierda, en sentido horizontal, el año de acuñación 2014. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida en el lado superior izquierdo por un sector en cuyo interior aparece, en sentido circular ascendente y en mayúsculas, la leyenda GOYA. En el reverso se reproduce una imagen de la obra «La nevada, o El Invierno», realizada hacia 1786 por Francisco de Goya y Lucientes, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. Más arriba de la imagen, a la derecha, en dos líneas y en mayúsculas, el valor de la moneda, 50 EURO. A la izquierda del motivo principal, la marca de Ceca. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida por un sector en la parte superior central de la moneda, en cuyo interior aparece, en sentido circular y en mayúsculas, la leyenda TESOROS DE MUSEOS ESPAÑOLES.

10 EUROS – En el anverso de la primera pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «Las tres Gracias», realizada entre 1630 y 1635 por Pedro Pablo Rubens, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. A la izquierda, en sentido circular ascendente y en mayúsculas, la leyenda ESPAÑA; a la derecha, en sentido horizontal, el año de acuñación 2014. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida en el lado superior derecho por un sector en cuyo interior aparece, en sentido circular descendente y en mayúsculas, la leyenda RUBENS. En el reverso de la primera pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «Felipe II a caballo», realizada hacia 1630 por Pedro Pablo Rubens, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. A la izquierda, en dos líneas y en mayúsculas, el valor de la moneda, 10 EURO. A la derecha, la marca de Ceca. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida por un sector en la parte superior central de la moneda, en cuyo interior aparece, en sentido circular y en mayúsculas, la leyenda TESOROS DE MUSEOS ESPAÑOLES.

En el anverso de la segunda pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «Sir Endymion Porter y Anton van Dyck», realizada hacia 1635 por Antonio van Dyck, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. En la parte superior izquierda de la moneda, en sentido circular ascendente y en mayúsculas, la leyenda ESPAÑA; debajo, en sentido horizontal, el año de acuñación 2014. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida en el lado superior derecho por un sector en cuyo interior aparece, en sentido circular descendente y en mayúsculas, la leyenda VAN DYCK. En el reverso de la segunda pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «La serpiente de metal», realizada entre 1618 y 1620 por Antonio van Dyck, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. Más arriba de la imagen, en dos líneas y en mayúsculas, el valor de la moneda, 10 EURO. A la izquierda de la imagen central, la marca de Ceca. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida por un sector en la parte superior central de la moneda, en cuyo interior aparece, en sentido circular y en mayúsculas, la leyenda TESOROS DE MUSEOS ESPAÑOLES.

En el anverso de la tercera pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «El Expolio de Cristo», realizada entre 1577 y 1579 por Domenicos Theotocopoulos, El Greco, que se conserva en la S. I. Catedral Primada de Toledo. A la derecha, en sentido circular descendente y en mayúsculas, la leyenda ESPAÑA. A la izquierda, en sentido horizontal, el año de acuñación 2014. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida en la parte superior izquierda de la moneda por un sector en cuyo interior aparece, en sentido circular ascendente y en mayúsculas, la leyenda EL GRECO. En el reverso de la tercera pieza se reproduce una imagen de la obra titulada «La Trinidad», realizada entre 1577 y 1579 por Domenicos Theotocopoulos, El Greco, que se conserva en el Museo Nacional del Prado. A la derecha, en dos líneas y en mayúsculas, el valor de la moneda, 10 EURO; debajo, la marca de Ceca. Rodea los motivos y leyendas una gráfila de perlas y piñones interrumpida por un sector en la parte superior central de la moneda, en cuyo interior aparece, en sentido circular y en mayúsculas, la leyenda TESOROS DE MUSEOS ESPAÑOLES.

ANIVERSARIO DE FERRARI

FERRARI – MONEDAS PALAU 2007 – 60 ANIVERSARIO DE FERRARI – COLECCION 7 MONEDAS PLATA PROOF A COLOR

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FERRARI – MONEDAS PALAU 2007 – 60 ANIVERSARIO DE FERRARI – COLECCION 7 MONEDAS A COLOR – 6 monedas de Plata 999 – Peso: 10 grs. – Ø 30 mm. + 1 moneda en Plata 500 – Peso: 25 grs. – Ø 38,61 mm. – Acuñación 999 – Calidad Proof – Con estuche y Certificados de garantía y autenticidad. (Modelos Ferrari: 500 F2, 156 F1, 312T, 126 C2, F399, F2003 GA, F2007)


Tal día como hoy hace 118 años, en Módena, Italia, nace el que será fundador en 1929 de la Scuderia Ferrari y más tarde de la marca de automóviles Ferrari, Enzo Ferrari. Bajo su dirección (1947-88) la marca automovilística Ferrari ganará más de 5.000 carreras en diversas categorías y obtendrá 25 títulos de Campeonatos del Mundo.


 

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60 años de mito. Desde 1947, cuando el primer auto de carreras Ferrari, el modelo 125 C, fue construido y hasta el día de hoy Ferrari es conocido como el fabricante de automóviles de carreras por excelencia.
Desde entonces Ferrari no sólo se han construido para la pista de carreras, sino también para los clientes solventes. La versión más famosa es probablemente el “Dino“, que lleva el nombre del hijo que ha fallecido muy joven, en 1956 o el Testarossa” que traducido significa “cabeza roja”. Este nombre fue dado debido a las cabezas de los cilindros de color rojo del motor.
No sólo la potencia del motor abrumadora de estos coches, sino más bien el estilo inimitable y el maravilloso sonido del motor han hecho de esta marca famosa y deseable en todo el mundo. Quien posea un Ferrari es parte de un círculo muy exclusivo. El escaso número de coches fabricados al año, alrededor de 400, probablemente ve a eso.
El padre de esta marca de coche, Enzo Ferrari (1898-1988) nunca soñó con tal éxito.

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MICHAEL SCHUMACHER – MONEDA CONGO 2007 – FORMULA 1 – FERRARI – PLATA PROOF A COLORç

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MICHAEL SCHUMACHER – MONEDA CONGO 2007 – FORMULA 1 – FERRARI – Metal: Plata 925 – Peso: 2 onzas – Ø 50 mm. – Tirada 999 – Calidad Proof – Con estuche y Certificado de garantía y autenticidad.

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Schumacher” moneda de plata del Congo en 2007. La moneda está dedicada a Michael Schumacher, siete veces campeón del mundo de Fórmula Uno y un ídolo para muchos ucranianos. La moneda de la pena notar, ya que contiene un sello emitido en representación de la carrera de coches de Alemania y Ferrari mundialmente conocido.

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